スケールとは何か？
音楽理論では、音階とは1オクターブ内の音符の並びのことで、最後の音符は最初の音符のちょうど1オクターブ上の音符の繰り返しになります。音階には上行音符（音符が下から上に向かう）と下行音符（音符が上から下に向かう）があります。
音階には、個々の音符の間にある一定の音程によって特徴付けられるものがある。現代の西洋音楽では、音階には必ず全音と半音の音程があります。半音音程がどのステップにあるかによって、音階は異なる性格と名前を持つようになります。西洋音楽で最もよく使われる音階は、メジャー・スケールとマイナー・スケールです。
すべての音階には基音（トニックとも呼ばれる）がある。これは音階の名前の由来となり、最初の音でもあります。つまり、Aマイナー・スケールを演奏する場合、最初の音は常にAです。
例として、西洋音楽で最も一般的な2つの音階、ハ長調とイ短調を考えてみましょう。これらは調号がないため、最も演奏しやすいので人気があります。
Cメジャー・スケールは、C、D、E、F、G、A、Bの音で構成されている：トーン-トーン-半音-トーン-トーン-半音。
Aマイナー・スケールは同じ音で構成されているが、A、B、C、D、E、F、Gと順番が違う：トーン - 半音 - トーン - 半音 - トーン - トーン。
体重計の歴史
音楽における音階の歴史は古代にまで遡り、世界中の多くの文化圏で数千年にわたって発展してきた。音楽理論の始まりについて考えるとき、私たちが最初に訪れるのは古代ギリシャです。ここでは、ピタゴラスのような哲学者が、音間の数学的関係を実験していました。
彼らは「テトラコード」と呼ばれる4音の和音について語り、それが彼らの音楽理論の基礎となった。これらの四和音は、より大きな音楽システムの構成要素となり、後の音楽的発展の基礎を築いた。
キリスト教が広まり、グレゴリオ聖歌が登場した中世、教会は独自の音楽モードを開発し始めた。これらの聖職者モードは、現代の音階の前身であり、ルネサンスとバロックの時代にさらに標準化された。当時はイオニア音階やエオリア音階と呼ばれていたが、現在の長音階や短音階と同じものである。
これらの時代には、平均律も導入された。これは、モダン・ピアノの台頭を促し、異なる鍵盤での演奏を容易にした革新である。
しかし、西洋の伝統は音階の物語の一部に過ぎない。インド音楽のラーガから中国伝統のペンタトニック、アラブ世界のマカムまで、世界中の文化が独自の音楽体系を発展させてきた。
近代、特に20世紀には、ジャズやエレクトロニック・ミュージックといったジャンルが登場し、音階が再評価され、革新的に使われるようになった。音階の正確な起源を特定することは難しいが、人類の文化に深く根ざした歴史は否定できない。
ヘプタトニック・スケールの構造
西洋音楽では、ヘプタトニック音階が最も重要である。ヘプタトニック音階は7つの音で構成され、それが名前の由来となっている（"hepta "はギリシャ語で7を意味する）。しかし、原則として8つの音が演奏され、8番目の音は1番目の音と同じであるが、1オクターブ高い音である。
ヘプタトニックスケールには全部で5つの全音ステップと2つの半音ステップがある。個々の音程がどこにあるかによって、スケールは異なるモードを持ちます。例えば、マイナー・スケールは2度と3度の間、5度と6度の間に半音階を持ち、メジャー・スケールは3度と4度の間、7度と8度の間に半音階を持ちます。
ここでは7つの一般的なヘプタトニック・スケール（チャーチ・スケールとしても知られています）を紹介します：
- イオニック（ナチュラル・メジャー）： これは通常のメジャー・スケールである。例：C-D-E-F-G-A-B-C
- ドーリック： 6分音符が補強されたマイナー・スケール。例：D-E-F-G-A-B-C-D
- フリジア語： 第2音を減じるマイナー・スケール。例：E-F-G-A-B-C-D-E
- リディアン 4分音符が補強されたメジャー・スケール。例：F-G-A-B-C-D-E-F
- ミクソリディアン： メジャー・スケールにディミニッシュ7分音符を付けたもの。例：G-A-H-C-D-E-F-G
- エオリアン（自然短調）： これは通常のマイナー・スケールである。例：A-B-C-D-E-F-G-A
- 地元だ： 第2音と第5音を減じるマイナー・スケール。例えばB-C-D-E-F-G-A-B
これら7つの音階はダイアトニックのモードであり、西洋音楽では一般的に使われている。しかし、世界中のさまざまな音楽文化や伝統には、他にも多くのヘプタトニック・スケールが存在する。音楽システムによっては、微分音やより複雑な音程構造（オーギュメンテッドセコンド）を使って、ユニークなヘプタトニック・パターンを作り出すことができる。
ナチュラル・メジャー・スケール
メジャー・スケールは最も重要な音階である。多くの和声構造の基礎となるため、音楽や楽器のレッスンでは必ず最初に習います。メジャー・スケールの音程構造は、全音-全音-半音-全音-全音-半音です。
メジャー・スケールは、すべてのルート音（ピアノの白鍵）を弾くことによって、C音を起点に形成することができる。つまり、C音を起点として、C-D-E-F-G-A-H-Cという音列がCメジャー・スケールになる。
音楽理論上、メジャースケールは "ハッピー "あるいは "ポジティブ "な響きを持つことで知られ、したがってハッピーな曲に非常に適している。
自然的短音階
マイナー・スケールは、西洋音楽理論において、メジャー・スケールに次いで重要なスケールの一種です。特徴的な音程構造を持ち、メジャー・スケールの「明るい」「楽しい」音に比べ、「悲しい」「暗い」音がします。
マイナー・スケールにはいくつかの種類がありますが、最も一般的でよく知られているのはナチュラル・マイナー・スケールです。ナチュラル・マイナー・スケールの音程構成は以下の通りです： 全音-半音-全音-半音-全音-全音
Aのルート音をすべて弾きだすと、bもクロスも含まないナチュラルAマイナー・スケールになる：A-B-C-D-E-F-G-A
ドーリア式
ドリアン・スケールは、ダイアトニック・スケールの7つの教会調（モード）のひとつで、メジャー・スケールやマイナー・スケールほど一般的ではないが、ユニークな特徴を持つ。ドリアン・スケールは次のような音程構造を持つ：
全音-半音-全音-全音-半音-全音
現代音楽では、ドリアン・スケールはメジャー6thを持つマイナー・スケールと呼ばれることが多い。ドリアン・スケールをDから見てみると（このキーにはシャープもフラットも含まれないので）、次のようになる：D - E - F - G - A - B - C - D。
ナチュラル・マイナー・スケールと比べたドリアン・スケールの本質的な特徴は、オーギュメンテッド6度の存在である。これによって、ナチュラル・マイナー・スケールよりもいくぶん「悲しい」音色が少なくなります。
ドリアン・スケールは、ナチュラル・マイナー・スケールよりも少し "ジャズっぽい"、あるいは "クール "だと思われがちです。特にジャズ、フュージョン、ロックなど、多くの音楽スタイルで使われ、伝統的なマイナー・スケールに代わる興味深い選択肢となります。
フリジア音階
フリジアン・スケールは、西洋音楽理論におけるダイアトニック・スケールの7つのモードのひとつでもある。このモードは特に、その特徴的な第2音の減音で知られ、エキゾチックまたは「オリエンタル」な響きを与えます。
フリジアン・スケールの音程構造は以下の通り： 半音 - 全音 - 全音 - 半音 - 全音 - 全音
Eから始めてピアノの白鍵だけを使うと、E-F-G-A-H-C-D-Eの音列がEフリジアン・スケールになる。
フリジアン・スケールは、様々なスタイルの音楽、特にフラメンコやオリエンタル・ミュージックで、ダークでミステリアス、エキゾチックなサウンドを作り出すためによく使われる。減2度はフリジアン・スケールに緊張感とドラマを与え、他のモードとは一線を画します。
リディアン・スケール
Fから始めてピアノの白鍵だけを使うと、F-G-A-H-C-D-E-Fの音列がF-リディックスケールになる。この音階の特徴は、4度の高さであり、これがこの音階に独特の "浮遊感 "や "幽玄さ "を与えている。
リディアン・スケールの音程構成は次の通りである： ホールトーン - ホールトーン - ホールトーン - ハーフトーン - ホールトーン - ハーフトーン
リディアン・スケールは、音楽の中で夢のような、天国のような、あるいは神秘的な響きを作り出すためによく使われる。これは主に、メジャー・スケールの典型的な構造を壊し、予想外の印象的な響きを生み出す、過剰な第4音によるものだ。多くの文脈、特に映画やテレビ音楽において、リディアン・スケールは驚き、魅惑、崇高さの感情を作り出すために使われることがある。
ミクソリディアン・スケール
ミクソリディアン・スケールは、ディミニッシュ7度という特殊性を持つ特殊なメジャー・スケールであり、従来のメジャー・スケールとは一線を画している。
ミクソリディアン・スケールの音程構造は以下の通り： ホールトーン - ホールトーン - ハーフトーン - ホールトーン - ハーフトーン - ホールトーン
Gから始めてピアノの白鍵だけを使うと、G-A-H-C-D-E-F-Gという音列がG-ミクソリディアン・スケールになる。
ミクソリディアン・スケールは、ディミニッシュ・セブンスがサウンドに純粋なメジャー・スケールとは異なるある種の哀愁と「汚さ」を与えるため、しばしば「ブルージー」なサウンドと結び付けられる。そのため、このスケールはブルースのギター・ソロでよく使われます。このスケールは、常にキーのドミナントの音に正確に対応しているからです（そのため、ドミナント・スケールと呼ばれています）。
地元の規模
ロクリアン・スケール（ロクリアン・モード）は、西洋音楽理論におけるダイアトニック・スケールの7番目のモードであり、最後のモードである。ロクリア・モードが特に注目されるのは、唯一の減5度音程を持つダイアトニック・モードだからである(トリトヌス).この音色は、特に不協和音的で不確かな響きを与える。
ロクリアン・スケールの音程構造は以下の通り： 半音 - 全音 - 全音 - 半音 - 全音 - 全音
Bの音から始めてピアノの白鍵だけを使うと、H-C-D-E-F-G-A-Hの音列がBのロクリアン・スケールになる。
その不安定な響きのため、ロクリアン・スケールが楽曲全体の基礎として使われることはほとんどない。しかし、ある種のジャズ的な文脈や実験的な文脈で、特に緊張感のある、あるいは "ダーク "なサウンドが求められる場合に使われる。減第5音（トライトーン）は音楽の中で最も不協和な音程のひとつで、これがロクリアン・モードに独特の陰鬱な性格を与えている。
ここでは、すべての教会音階を重ね合わせ、個々の音階の半音の概要を示している：
ペンタトニックスケール
ペンタトニック・スケールは、世界中の多くの音楽文化で使われている5音音階である。よりシンプルで開放的な音質を持つことが多く、含まれる音数が少ないため、ヘプタトニック・スケールのような和声的・旋律的な複雑さの多くを避けることができる。そのため、緊張感がなく、解決する必要もない。
西洋音楽では、特にメジャー・ペンタトニックとマイナー・ペンタトニックという2種類のペンタトニック・スケールが広く普及している。
ペンタトニック・メジャー・スケール この音階は、ダイアトニック・メジャー・スケールの1、2、3、5、6の音から形成される。ハ長調の例：C-D-E-G-A.
フォーク・ミュージックやカントリー・ミュージックなど、よりシンプルでメロディアスなアプローチを好むジャンルでよく使われる。
ペンタトニック・マイナー・スケール この音階は、ダイアトニック・マイナー・スケールの1、3、4、5、7音から形成される。イ短調の例：A-C-D-E-G
マイナー・ペンタトニック・スケールは、しばしば「ブルース・ノート」（4度と5度の間の半音）を加えたもので、特にブルースやロックでよく使われ、これらのジャンルにおける多くのギター・ソロの基礎を形成している。
ジプシー・スケール
ジプシー・スケール」という用語は、ロマーニ音楽に関連する特徴的な音を生み出す音階群を表すのによく使われる。ジプシー音階の特徴は、何といっても2段目が多いことである。主にスペインのフラメンコやアラブ音楽で使われる。
ジプシー・スケール」と呼ばれる音階にはさまざまなものがあるが、よく知られているのはジプシー・マイナーとジプシー・メジャーの2つだ。
ジプシー・マイナー
ハンガリー音階としても知られるジプシー・マイナー・スケールは、4度と7度が上がった単純なマイナー・スケールで構成されています。その結果、全音-半音-1.5音-半音-半音-1.5音-半音という音程になります。
Aでは、 A - B - C - D sharp - E - F - G sharp - Aとなる。この2つのオーグメント・セコンドが、東洋的な特徴を生み出している。
ジプシー・マイナー・スケールの好例は、ジョー・サトリアーニの "Musterion "という曲で、ギターがこのスケールの上でソロを弾いている。
ジプシー・メジャー
ジプシー・メジャー・スケールは、主にアラブ音楽に見られることから、アラブ・スケールとも呼ばれる。単純なメジャー・スケールで構成され、2度と6度が減弱されている。これにより、2度と3度、6度と7度の間に大きな秒が生まれます。
音程ステップは以下の通り：半音-1.5分音符-半音-全音-半音-1.5分音符-半音。Cの音では、C - D♭ - E - F - G - A♭ - B - Cとなります。
この音階はレインボーの "Gates of Babylon "でよく聴くことができ、エキゾチックな雰囲気を醸し出している：
スケールを学ぶ
音階を学ぶことは音楽教育の基本であり、ミュージシャンとしてどのレベルにいるかに関係なく、多くのメリットをもたらします。どこでどのように使うかを知っていれば、コード進行の中で様々なスケールを使うことができるので、作曲をより高いレベルに引き上げるのに役立ちます。
なぜ音階を学ぶ必要があるのか？
特に初心者のうちは、なぜ音楽レッスンでさまざまな音階を学ばなければならないのか、よく理解できないことが多いでしょう。しかし、音階の基本的な知識を身につけることは、大きなメリットをもたらします。
- テクニックと器用さ： スケールの定期的な練習は、キーボード、管楽器、弦楽器にかかわらず、楽器の器用さとテクニックを向上させる。
- 音楽理論を理解する スケールはハーモニー、コード構成、そして多くのメロディーの基礎となります。スケールを理解することは、音楽を文脈の中でとらえ、後にその知識を自分の作曲に応用するのに役立ちます。
- イントネーションとイヤー・トレーニング 歌手や楽器奏者にとって、音程を正確に取ることは重要です。音階の練習はイントネーションの正確さを促進します。
- 即興： スケールの構造を理解することで、特にジャズ、ブルース、ロックなどのジャンルにおいて、メロディラインやフレーズのアドリブが容易になります。なぜなら、どの音階をいつ試してみても、その音が「間違っている」「調子が悪い」と感じることがないからだ。
- 汎用性がある： さまざまなスケール、特にエキゾチックなスケールを知っていると、音楽のボキャブラリーが広がり、創造性と想像力を保ちながら、さまざまなスタイルやジャンルで演奏できるようになる。
音階を練習する最良の方法とは？
忍耐力、戦略、創造力をミックスする必要がある。初めのうちは、スケールの音を下から上へ、上から下へとゆっくり弾くようにしましょう。スピードは後でいつでも上げられますが、最初はそれぞれの音をきれいに正しく弾くことが大切です。
安定したリズムを維持するには、メトロノーム（時間を計る指揮者）を使うのが効果的だ。また、特に鍵盤楽器では、さまざまな指使いを研究して、各音階で最も効率的な動きを見つける価値がある。
飽きるのを避けるためには、バラエティも重要だ。異なるオクターブで練習したり、異なるパターンやシークエンスを試すことで、練習はやりがいのある楽しいものになる。最後に、学習は決して応用と切り離して行うべきではありません。私はいつも、新しく学んだスケールを使った曲や歌を演奏して、学んだことを実際の音楽の文脈に置くことを勧めている。
人生の多くの分野と同様、音楽においても定期的な練習と努力は実を結ぶ。音階を学ぶのは最初は難しいかもしれないが、技術的な素晴らしさ、音楽的な理解、創造的な表現という点で、どんな時間を費やしても報われる。
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