Quer saber como misturar música? Então posso dizer-vos (infelizmente) que não há fórmula ou regras mágicas. A mistura é uma arte dominada por engenheiros de som e produtores musicais, mas é sempre adaptada a cada canção individualmente.
Não existem regras na mistura, mas existem técnicas que são frequentemente utilizadas por muitos produtores porque a produção resultante é considerada bela por muitas pessoas.
Estas são exactamente as técnicas de mistura de que este artigo trata. Aprendi muitos destes conceitos durante a minha formação como engenheiro de som - mas grande parte deles também ensinei a mim próprio ao longo da minha carreira.
O que é a mistura de áudio?
A mistura de áudio é o penúltimo processo na produção musical que tem lugar após a gravação e antes da masterização. Durante a mistura de música, as faixas de áudio gravadas são processadas, com efeitos como a compressão, EQA partir daí, são adicionados reverb, delay ou modulação e misturados num único ficheiro estéreo.
O objectivo é produzir uma canção sonoramente equilibrada. Por exemplo: as frequências graves não devem ser demasiado altas, caso contrário mascararão tudo o resto; mas também não devem ser demasiado silenciosas, caso contrário falta o ponche e a canção soa demasiado fraca.
As diferentes faixas estão também distribuídas pela imagem estéreo, por exemplo o hi-hat que pode ser colocado à esquerda (panning esquerdo) e o guitarra à direita (panning direito). Alguns elementos são frequentemente colocados nos lados, mas outros, tais como o bass, estão sempre no meio. Mais sobre isto mais tarde!
A maneira como vejo as coisas é que antes de misturar, uma canção é plana e tudo está no mesmo plano. O meu objectivo ao misturar música é sempre criar uma imagem estéreo tridimensional, como se os instrumentos estivessem em pé numa sala de concertos.
Porquê tridimensional? Na mistura de áudio, tal como na geometria, existem 3 dimensões. Para melhor visualizar isto, é útil imaginar todos os instrumentos da canção num palco ao vivo:
- Altura: Este eixo descreve onde se encontram os instrumentos na elevação, ou seja, que instrumento está acima ou abaixo de outro instrumento. Os instrumentos altos estão no topo da imagem estéreo, enquanto os baixos estão no fundo. Pode influenciar isto com o EQ.
- WideEsta dimensão descreve se os instrumentos soam do lado direito ou esquerdo. Com panning, é possível posicionar as diferentes faixas de áudio à esquerda ou à direita do centro estéreo para criar uma imagem sonora ampla. Se eu deixar tudo no meio e não fizer nenhuma panela, recebo uma canção em formato mono em vez de estereofónico.
- Profundidade: Este eixo descreve se um elemento está à frente ou atrás de outro elemento da mistura e é principalmente influenciado por efeitos de reverberação e atraso. Se eu acrescentar mais reverberação a uma faixa de áudio, essa faixa soa mais longe de mim. Mas se tenho uma faixa sem reverberação, soa como se estivesse mesmo à minha frente.
A arte de misturar é ser inteligente e utilizar as diferentes dimensões a seu favor.
Um exemplo prático que já experimentei várias vezes: Tenho uma canção com um cantor e um guitarrista solo, ambos tocando ao mesmo tempo. Ambos são elementos principais, por isso quero-os ambos no centro de estéreo.
Também tocam/cantam aproximadamente na mesma gama de frequências, pelo que também não diferem muito no tom, pelo menos não muito.
Contudo, noto que os dois colidem e teriam de ser separados na imagem estéreo - então que opções tenho eu?
O processamento em profundidade! Acrescento reverberação à faixa da guitarra para a fazer soar distante, enquanto deixo a faixa vocal bastante seca para a fazer soar "in-your-face". É assim que se separam as duas faixas uma da outra para que não colidam.
Agora gostaria de explicar o meu método de mistura que tenho desenvolvido ao longo dos anos. Passo sempre por certos passos para trazer estrutura ao meu processo de mistura.
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Saiba mais
0. antes de misturar: Formação auricular
Ouça sempre as suas canções de referência através dos seus altifalantes/headphones first.
Nunca é demais sublinhar isto! Este é um passo que é tão frequentemente negligenciado, mas pode poupar-lhe uma enorme quantidade de tempo.
Precisa de conhecer muito bem o seu sistema de monitorização (ou seja, o seu studio monitors ou auscultadores). É preciso saber como as canções produzidas profissionalmente soam através do seu sistema de monitorização.
Já vi engenheiros de som fazerem misturas espantosas sobre monitores relativamente baratos porque sabiam exactamente como as canções tinham de soar sobre esses monitores.
Isto significa que mesmo que o seu sistema de monitorização não seja 100% linear (o que será o caso para a maioria, pois uma sala perfeitamente optimizada em termos acústicos pode ser muito, muito cara), isto não é uma coisa má. Mas precisa de saber quais as frequências no seu quarto que são enfatizadas e quais as que soam mais fracas do que deveriam.
Caso contrário, irá compensar em excesso e as suas misturas não serão bem transferidas para outros sistemas de monitorização.
É por isso que ouço sempre algumas das minhas canções de referência (ou se o cliente envia canções de referência, eu também as ouço) durante cerca de 20 minutos antes de começar a misturar.
Isto ajuda-me a ter uma ideia da direcção que a canção deve tomar e como os elementos individuais da canção se relacionam uns com os outros.
E eu repito sempre este processo entre longas sessões de mistura. É uma espécie de pausa de que precisa de qualquer forma, que me ajuda a manter-me no bom caminho.
1. seleccione o seu DAW
Provavelmente já escolheu o seu DAW - se não, não se esqueça de verificar a nossa comparação final DAW>. Aí comparo os 12 DAW mais populares no mercado.
No final do dia, não importa com qual DAW se mistura - só é preciso ser razoavelmente proficiente e familiarizado com ele. Caso contrário, as dificuldades técnicas podem interromper o seu fluxo de trabalho de mistura criativa e distraí-lo - e nós certamente não queremos isso.
Pessoalmente, sempre preferi Pro Tools para misturar (e gravar) - mas isso também porque sempre tive de trabalhar com Pro Tools na minha formação como engenheiro de som, e isso estabeleceu-se para mim. Existem também alternativas mais baratas e menos complicadas que funcionam igualmente bem, como Ableton Live ou Logic Pro.
2. preparação do projecto
A ordem e o cuidado são muito importantes para a fase de mistura. Especialmente quando se tem de trabalhar em projectos com muitas pistas - sem ordem pode rapidamente tornar-se uma enorme confusão onde não se sabe que instrumento está em que pista.
Falo por experiência própria, claro, porque no início cometi sempre o erro de não nomear correctamente as faixas, e assim acabei com projectos com 40 faixas chamadas Audio1_dup_1 a Audio1_dup_40.
E se depois quiser mudar alguma coisa na guitarra, primeiro precisa de 5 minutos para descobrir em que faixa está a guitarra!
Dica: Comece sempre com boas fotografias
Em 99% dos casos, vale a pena regravar a performance se se aperceber na fase de mistura que não gosta de algo sobre a gravação.
Muitas vezes as pessoas tendem a ser preguiçosas e dizem: corrigirei isso mais tarde quando misturar. Não! Faça um favor a si próprio e grave-o novamente - geralmente essa é a melhor e mais correcta maneira.
Se o cantor cantar muito mais alto no primeiro verso da música do que no segundo e você tentar compensar com um compressor, os dois versos soarão muito diferentes.
No primeiro verso, o compressor tem de funcionar muito mais. Isto faz a voz soar mais esmagada e menos dinâmica do que no segundo verso. Para o ouvinte, isto não soa natural.
Assim: é melhor gravar novamente o primeiro verso e tentar que o cantor cante no mesmo volume e com a mesma energia que no segundo verso.
Importar e nomear as pistas
É imperativo que nomeie correctamente todas as suas faixas, para que saiba sempre imediatamente qual o instrumento que está em que faixa. Isto é incrivelmente importante para que o seu fluxo de trabalho criativo e concentração não sejam interrompidos.
Pessoalmente, escolho sempre os mesmos nomes e colocação para as pistas em cada projecto de mistura. Desta forma sei sempre que, por exemplo, o meu pontapé está na extrema esquerda (a 1ª faixa) e os meus vocais estão no final (última faixa), pelo que posso sempre aceder rapidamente a estas duas faixas importantes.
Colorir e agrupar as suas pistas
Eu pinto sempre as faixas ordenadas por grupos de instrumentos ao misturar. Isto também é particularmente útil para exportar stems após a mistura.
- azul para todos tambores e percussões tais como pontapé, laço, hihat, tom, cowbell, tamborim, etc. Utilizo azul escuro para pistas de tambor e azul claro para percussão. Dessa forma sei que pertencem ao mesmo grupo, mas também posso distingui-los rapidamente uns dos outros.
- vermelho>forte>para todos pistas de guitarra. Por exemplo: vermelho escuro para a guitarra principal e vermelho claro para a guitarra rítmica.
- amarelo para o baixo. Por exemplo, se eu tiver outro sintetizador para complementar o baixo, ele será colorido numa tonalidade diferente de amarelo.
- verde claro para os vocais de chumbo e verde escuro para os vocais de costas.
- Laranja para o Piano
- Púrpura para a Organ .
Isto é apenas um exemplo para ilustrar como o faço em certos casos.
3. Equilíbrio geral
A primeira coisa que faço sempre é trazer todas as faixas para aproximadamente o mesmo volume para criar um equilíbrio global.
Desta forma, tenho rapidamente uma sensação do que está certo e do que está errado; o que deve ser enfatizado e o que deve ser corrigido. Faço uma visão geral do que precisa de ser feito na canção.
Este é um passo importante, porque a capacidade de julgar neutralmente diminui com o tempo, se trabalharmos numa mistura durante muito tempo. É por isso que a primeira impressão é especialmente importante.
Nas minhas primeiras sessões de mistura, tinha sempre comigo uma folha de papel para escrever ideias nesta fase, para que não as esquecesse mais tarde. Posso recomendar isto a qualquer pessoa que esteja apenas a começar com a mistura.
Se você mesmo produziu e gravou a canção, provavelmente pode saltar este passo porque já tem uma mistura aproximada (é o que se chama uma mistura inacabada onde as relações de volume são mais ou menos correctas) e uma ideia da canção.
4. edição (moldagem de som) de faixas individuais
Depois de criar um equilíbrio geral e, portanto, uma mistura aproximada, passo por cada faixa que necessita de alterações e edito. A ideia é dar a cada faixa o som que eu quero e corrigir erros e problemas sem realmente misturar muito.
Normalmente ouço a faixa juntamente com todos os outros - mas também a solo, quando faço certas alterações de cenário.
É sempre importante ter sempre em mente o panorama geral (ou melhor, no ouvido) quando se está a trabalhar numa única pista. Portanto, é aconselhável não ouvir a faixa sozinha durante demasiado tempo - porque os ouvintes nunca a ouvirão sozinhos.
Afinal de contas, de que serve um bom baixo com um baixo rico que soa super bem por si só, mas que mascara tudo o resto na mistura?
Por isso: Editar faixas a solo enquanto se mistura não é um problema, desde que se continue a ouvir todas as outras faixas juntas no intervalo para avaliar como a edição da sua faixa afecta a mistura global.
Agora vou tentar descrever a minha abordagem geral à edição das pistas - embora lute um pouco com ela. A razão é que cada canção é realmente única e precisa sempre de configurações diferentes, por isso não há regras ou dicas que possam ser aplicadas a todas as canções.
Mas há procedimentos e situações que acontecem com bastante frequência e que tenho experimentado repetidamente na minha carreira - é nisso que se baseiam as minhas recomendações. Mas como disse, estas não são regras. A sua canção requer configurações que só você pode conhecer.
Mistura Vocal
O meu primeiro plugin na cadeia vocal é normalmente um eQ de prateleira, o que reduz as frequências em cerca de 200Hz para cantoras - ou 400Hz para cantoras femininas.
Se houver ruído ou outras distorções na gravação, estes são cortados manualmente ou removidos com um noise gate - neste caso a porta de ruído vem antes do EQ.
Isto dá à voz mais clareza e assertividade na mistura e compensa o efeito de proximidade que - até certo ponto - se tem sempre quando se canta.
Para o fazer, acrescento sempre um high-pass filter que remove todas as frequências abaixo de cerca de 100Hz - nada da voz deve ser audível lá de qualquer forma, apenas possíveis ruídos ou zumbidos da electrónica.
A próxima "medida correctiva" é normalmente um desesser para remover os sibilantes ("S" e "Sh").
Isto assegura em primeiro lugar que estes ruídos irritantes desaparecem, e em segundo lugar que não afectam o meu compressor, que é o próximo na cadeia.
Isto dá-me vozes limpas, claras e distintas, por enquanto.
O meu próximo passo é normalmente a compressão. Dependendo do cantor, é necessária mais ou menos compressão aqui.
Muitas vezes transformei performances fracas e de baixo consumo - especialmente vocais de hip-hop quando o rapper esteve no estúdio pela primeira vez - em vocais realmente grandes e animados, e isso é principalmente graças à compressão.
Um compressor equilibra os picos mais altos e mais silenciosos e influencia os transitórios. Isto pode ter vantagens, é claro, mas também desvantagens. Alguns exemplos de utilização:
- Se os vocais ficarem um pouco altos ou moles demais no meio e achar isto irritante, pode usar um compressor para nivelar as diferenças de volume.
- Se o cantor tiver pouca energia ao cantar (e se não conseguir fazer melhor, pois uma regravação é sempre a melhor solução), pode usar um compressor com ataque médio e libertação rápida para fazer os vocais soarem mais vivos e enérgicos. Esta técnica é utilizada com bastante frequência no hip-hop.
Também recomendo sempre a divisão da compressão em pelo menos 2 fases (ou seja, 2 compressores). Nos tempos digitais actuais, em que todos têm muitos plug-ins, 2 compressores não devem ser um problema.
Desta forma, o efeito de compressão é menos audível e mais natural, pois cada compressor individual tem de funcionar menos do que se tivesse de fazer toda a compressão sozinho.
Se quiser saber mais sobre mistura vocal, recomendo o meu artigo sobre a cadeia vocal perfeita.
Mistura de percussão
Se tiver gravado bateria real, é importante trabalhar com uma boa gravação. Se a bateria for de samples, então uma boa seleção de samples é a coisa mais importante.
O som da bateria é normalmente muito específico de cada género, mas todos querem sempre uma bateria firme que acompanhe o ritmo da música durante todo o tempo.
Para o fazer, o tambor de pontapé e o laço são normalmente muito comprimidos de modo a que os dois instrumentos fiquem ao mesmo nível. Normalmente estes dois instrumentos não tocam ao mesmo tempo, pelo que se pode dizer que se deve tentar levá-los ao mesmo volume percebido.
O meu VST preferido entre os compressores de tambor é o modelo clássico de hardware DBX-160A, o href="https://thmn.to/thoprod/387990?offid=1&affid=1571" target="_blank" rel="noreferrer noopener"> DBX-160 by Waves, que emula o modelo clássico de hardware DBX-160A.
O som é brilhante para os tambores, e vem com várias predefinições de pontapés e laço que são bons pontos de partida para afinar.
Basicamente, é necessário um ataque lento e uma libertação rápida para dar ao pontapé e à armadilha o seu murro característico.
Não seja tímido e dê uma boa quantidade de compressão se puder - pontapé e laço são normalmente destinados a soar muito apertados, e pode conseguir isso bem com este compressor.
Também comprimo sempre os túmulos de modo a que fiquem todos iguais. Normalmente utilizo o DBX ou o CLA-76 para isto. As configurações são aproximadamente semelhantes ao laço - ataque médio a lento e libertação rápida.
Com o hi-hat é sempre diferente, mas na maior parte das vezes utilizo um filtro passa-alto para filtrar tudo abaixo de cerca de 7 kHz.
Mas varia muito - especialmente dependendo se trabalho com amostras ou com um verdadeiro "hi-hat".
Os microfones aéreos e os microfones dos tambores são normalmente comprimidos e apenas minimamente adicionados à mistura. Mas se quiser um som ao vivo, também pode fazer estas faixas mais alto.
Compressão paralela
Normalmente encaminho todas as pistas do tambor para uma nova pista estéreo na mistura e comprimo-as com compressão paralela.
Para gêneros duros como rocha ou metal pesado, a compressão paralela é feita com ajustes extremos para fazer os tambores realmente balançar. Para este fim, o limiar é consideravelmente reduzido e é seleccionada uma proporção muito elevada (por exemplo 10:1).
Assim que os tambores soarem extremamente esmagados e demasiado comprimidos, pode começar a baixar a faixa estéreo comprimida ou o controlo de humidade seca um pouco para ouvir mais dos tambores naturais até que o som encaixe.
Pode utilizar esta técnica para tambores de todos os géneros se quiser que rachem realmente.
Mistura de vozes de apoio (adlibs, dobragem para ganchos, etc.)
Os vocais de apoio são também uma parte importante de qualquer mistura - quer sejam harmonias de três partes em vocais pop ou a duplicação de gordos num gancho de canção de rap.
Os vocais de apoio são normalmente mais comprimidos do que os vocais de apoio para que soem mais para trás (uma vez que depois têm menos dinâmica). Devem soar sempre por detrás dos vocais principais.
Se a compressão não for suficiente para isso, uso frequentemente também um ligeiro flanger effect que realmente traz as vozes para segundo plano.
Além disso, faço sempre os backing vocals bastante largos para que não colidam com os vocais principais, que estão sempre no meio.
Também gosto de usar correcção do passo, como Auto-Tune, em backing vocals. Uma vez que tendem a ficar em segundo plano, podes aplicar mais correcção de tom sem que isso seja muito perceptível. Isto é especialmente útil quando os backing vocals se harmonizam com os vocais principais, porque dá uma sensação de perfeição.
Mistura de Baixo
Quando digo "baixo", refiro-me tanto aos baixos reais como aos baixos de sintetizador.
O baixo é geralmente um instrumento complicado, porque as baixas frequências são difíceis de manter sob controlo. É muito importante que o baixo não colida com o tambor do baixo, caso contrário os tons graves são rapidamente exagerados.
Para isso, pode ou EQ o baixo e o pontapé de forma diferente, ou trabalhar com compressão sidechain.
A sidechain é utilizada para comprimir o nível de uma faixa de áudio, mas apenas quando recebe um sinal de uma fonte externa (outra faixa de áudio).
Por isso, coloca-se um compressor sidechain na pista de baixo e escolhe-se o tambor de pontapé como entrada sidechain. Desta forma, o baixo é sempre abaixado quando o tambor bate e eles não colidem uns com os outros.
Prefiro sempre esta variante ao misturar, porque desta forma não tenho de trabalhar com a EQ e mudar o som dos instrumentos.
Normalmente, é então adicionado um compressor normal com definições relativamente suaves. Isto dá-me um pouco mais de controlo sobre o volume e os níveis.
E se ainda me falta algum ponche com o baixo, deixo o compressor trabalhar um pouco mais, com um cenário semelhante ao dos tambores.
A saturação ou a sobre-implantação também ajudam muito os graves, especialmente para torná-los audíveis em altifalantes mais pequenos como os telemóveis. Afirma-se também melhor na mistura.
Correspondência: EQing e compressão dos sub-baixos para uma mistura limpa
Outros elementos (guitarra, piano, cordas, etc.)
Para os restantes elementos, é difícil fazer uma recomendação geral porque, por um lado, a selecção exacta do instrumento é diferente para todos e, por outro lado, as configurações destes instrumentos são por vezes tão diferentes que é difícil generalizar.
No entanto, tenta-se sobretudo criar uma ampla imagem estéreo com estes instrumentos rítmicos.
No rock/heavy, as guitarras são quase sempre gravadas duas vezes (duplo acompanhamento), com uma faixa à esquerda e outra à direita, para criar um efeito estéreo fresco.
Os pianos são também frequentemente distribuídos pela imagem estéreo, tentando ter as notas baixas de um lado e as altas do outro, tal como os pianos reais.
As cordas e almofadas também tendem a ser amplamente espalhadas pela imagem estéreo, atrasando brevemente a fase da onda de um lado - não se preocupe, muitos plugins fazem-no por si, tais como o Slate Digital Murda Melodies, o meu plugin de alargamento estéreo preferido.
Portanto, tente construir uma base harmónica sólida a partir de tais instrumentos rítmicos que complementem bem a batida da bateria + baixo e forme a estrutura básica para os vocais a serem cantados.
5. Correcções de pistas individuais, mas em relação a toda a mistura
Agora que fiz as maiores correcções às faixas individuais e que a minha concepção sonora está completa, a mistura propriamente dita começa.
Nesta fase, penso no seguinte:
- Como é que as faixas de áudio interagem umas com as outras na mistura?
- Onde é que as pistas entram em conflito umas com as outras?
- O que precisa de ser destacado na mistura?
- O que é que falta? Onde existem lacunas na mistura?
- Onde deve estar cada elemento na imagem estereofónica?
Misturar com EQ para colidir frequências
Digamos que temos uma faixa de guitarra e uma faixa de piano onde ambos os instrumentos tocam em faixas de frequência semelhantes. Nesta gama parece lamacento e pouco claro, e pretende-se separar os dois instrumentos.
Para isso usa EQs: Deve encontrar uma gama de frequências numa das duas faixas que soa particularmente bem nesta canção e dar-lhe um pouco de ênfase. Depois deve reduzir exactamente a mesma gama de frequências na outra pista com o EQ para dar lugar à outra pista.
Pode agora repetir este processo em ordem inversa e criar uma "lacuna" na primeira faixa numa gama de frequências diferente e depois enfatizar a outra faixa nesta gama.
Mas deve ter cuidado e ouvir sempre com atenção quando a EQing é demasiado, porque demasiada EQ pode levar a um som não natural e a problemas de fase.
Panorâmica para largura na mistura
Nesta fase, determino onde cada instrumento é colocado na imagem estéreo. Há algumas regras que se aplicam em 99% dos casos:
- Os vocais têm de estar no meio
- O tambor do pontapé deve estar no meio
- O baixo deve estar no meio
O laço também está, na sua maioria, no meio, mas nem sempre é esse o caso. Todos os outros instrumentos são distribuídos no panorama estereofónico. Tento sempre ter o mesmo número de instrumentos no lado esquerdo como no direito, para que ambos os lados sejam mais ou menos igualmente barulhentos.
Quando se está a fazer panning, é sempre importante certificar-se de que se deixa espaço suficiente no meio para os vocais. Isto aplica-se a todos os instrumentos que estão também no meio - não deve haver demasiados para além de chutar, baixo e laço.
Mas se tiver, por exemplo, um mono sintetizador muito importante na canção que não quer à esquerda ou à direita porque desempenha um importante papel de apoio, então use um plug-in de alargamento estéreo e faça-o largo. Isto deixa espaço no meio para os vocais.
Compressão + automatização para manter a dinâmica na mistura sob controlo
Quando se ouve todas as faixas, pode-se notar que de vez em quando algo se torna demasiado alto ou demasiado silencioso.
O guitarrista pode ter tocado um pouco alto demais no refrão, por exemplo, ou o baterista tocou os primeiros 2 compassos muito suavemente porque ainda estava inseguro. Tudo isto já aconteceu.
Há 2 soluções possíveis:
Compressão
Pode simplesmente comprimir a pista para compensar as diferenças de dinâmica. A vantagem deste método é que é relativamente fácil e rápido de fazer. A desvantagem, porém, é que o som do instrumento/voz é alterado por um compressor, soa mais esborrachado.
Automação
Se em vez disso trabalhar com automatização, o som original da faixa permanece inalterado, e continua a ter as partes silenciosas e barulhentas sob controlo.
A vantagem deste método é que tem o controlo 100% sobre o que acontece exactamente à dinâmica (com um compressor que não tem este controlo, o compressor reage de forma diferente a cada palavra/som).
Além disso, como já mencionado, o som do instrumento ou da voz permanece inalterado e não soa esmagado, como no caso de um compressor.
A desvantagem deste método, porém, é que consome muito tempo. É preciso editar cada peça manualmente, não é um "nobrainer". Assim, nem sempre se tem tempo ou o cliente não tem orçamento para automatizar tudo manualmente, razão pela qual muitos produtores recorrem ao compressor.
Reverb para 3D/profundidade na mistura
Agora chegamos à reverberação. Este é um dos efeitos mais importantes para criar a profundidade que todos esperam em certos instrumentos. Qual seria o Adlibs de Travis Scott sem a sua enorme reverberação?
Não há regras para misturar, nem mesmo para reverberar. Mas o que vos posso dizer é que, como principiante, tendes a pôr demasiada reverberação nos carris. Quando ouço as minhas misturas desde o início da minha carreira, é isso que mais reparo e que mais me incomoda.
O reverbo deve estar lá, mas tão pouco que não se dá por ele. Só quando silenciamos a pista de reverberação é que devemos notar que a reverberação estava lá antes - porque então fizemos tudo bem.
Só estou a dizer que é preciso ter muito cuidado com a reverberação, caso contrário, rapidamente se obterá uma enorme lama onde tudo parece desfocado porque tudo está coberto de reverberação.
Como regra, deixa-se os instrumentos baixos sem reverberação (como ponta ou baixo), e só se aplica a instrumentos que tocam na gama de médias e altas frequências.
Muita reverberação faz o instrumento soar muito longe. Um pouco de reverberação significa que o instrumento soa como se estivesse mesmo à sua frente. Dependendo do que se pretende alcançar, deve-se considerar a quantidade de reverberação necessária na pista:
- Quero que o cantor soe como se estivesse num concerto ao vivo num estádio de futebol? Então preciso definitivamente de muita reverberação para os meus vocais.
- Ou será que tenho uma canção de amor cheia de emoção e quero que os vocais soem como se estivessem a sussurrar no teu ouvido? Então é melhor não usar nenhum ou muito pouco reverberar.
Para os vocais, vale a pena olhar para as definições de pré-diagnóstico do reverbo - esta é uma boa maneira de separar os vocais principais do reverbo e tornar o efeito um pouco mais subtil.
Atraso para profundidade na mistura
O atraso é um efeito criativo que pode ser usado de muitas maneiras. Em geral, pode-se dizer que o atraso também contribui para a profundidade do som.
Semelhantes a reverberar, faixas que têm um atraso soam mais longe do que se não tivessem efeito de atraso.
Atrasos rápidos (por exemplo, atraso de estalido) soam semelhante a uma reverberação de primavera, enquanto os atrasos com longos tempos soam como se estivesse a gritar no Grand Canyon e a ouvir os ecos.
Os atrasos são bons para preencher lacunas vocais. Se o cantor incluir uma pausa na peça, pode ser fixe se repetir as últimas palavras com um atraso e as deixar soar na pausa.
E atrasos estéreo com tempos de atraso ligeiramente diferentes à esquerda e à direita tornam a sua faixa mais larga - um pouco disso pode ser bastante fixe nos vocais.
Phaser/Flanger para efeitos experimentais
Os phasers e flangers também podem ser bastante fixes se os usarmos de tempos a tempos. Pode utilizá-los em guitarras, pianos, sintetizadores, theremin ou mesmo vocais para criar mais sons experimentais.
No entanto, é preciso ter muito cuidado, porque as coisas podem tornar-se estranhas e estranhas muito rapidamente. Por isso, ouça sempre com atenção o que está a acontecer.
Também gosto de usar o flanger em vozes de apoio femininas por vezes - penso que soa muito bem quando se adiciona um pouco dele.
E gosto de utilizar o phaser nas guitarras quando quero que soem um pouco estranhas.
6. Mistura - Balanço final
Agora vem a fase em que tento trabalhar exclusivamente com os faders e não fazer quaisquer alterações às definições dos efeitos.
Tenho todas as pistas da maneira que as quero, por isso só tenho de refinar e equilibrar os volumes.
Este é provavelmente o processo mais difícil e o que requer maior concentração. Tem realmente de ouvir atentamente tudo o que está a acontecer na sua canção.
Muitas vezes vale a pena criar grupos a partir de diferentes pistas (por exemplo, se tiver dividido os tambores em 12 pistas, tais como kick, snare, hi-hat, etc.). Pode criar grupos de bateria, vocais principais + backing vocals, piano + piano, etc., onde quer que isso faça sentido.
Desta forma, mais tarde só têm de misturar os grupos entre si, e mais tarde só têm de trabalhar com 5 ou 6 faders em vez de 40.
Normalmente começo com os tambores. As faixas dos tambores são misturadas e depois agrupadas.
Depois adiciono o meu baixo e equilibro os dois instrumentos. No final, tem de haver uma base sólida sobre a qual tudo o resto possa jogar bem.
Depois acrescento todos os meus outros instrumentos rítmicos e misturo tudo de modo a ter uma espécie de instrumental - isto é, sem vozes.
Depois trago os vocais principais e os vocais de apoio. E se há um solo num instrumento algures, ele também entra agora.
No melhor dos casos, não tenho de recuar um passo e a minha mistura está pronta, mas raramente é esse o caso. No final, tem sempre de voltar atrás e mudar alguma coisa até estar 100% satisfeito.
Bónus: Automatização criativa
Agora que a mistura para 100% está no lugar e eu já a testei em vários monitores de estúdio, há uma última coisa que pode ser feita para levar a produção ao nível seguinte.
Automatização criativa. Isto é o que eu chamo automatização, que tem o propósito não de corrigir erros (como já foi mencionado), mas de destacar as partes particularmente importantes da canção (ou solo).
Um exemplo prático: Se os vocais têm um pico na ponte da canção antes da separação do verso e os vocais são particularmente bonitos lá, eu utilizaria a automatização para aumentar os vocais no máximo +1dB para que se crie uma espécie de crescendo.
Ou se eu quiser realçar o último refrão da canção, posso usar a automatização para tornar os meus vocais de apoio mais altos aqui - para que este refrão soe imediatamente diferente e mais poderoso do que os outros.
Conclusão
As minhas recomendações não são regras ou fórmulas mágicas que funcionam em todo o lado - são técnicas que utilizei muitas vezes na minha carreira porque certos padrões, erros e peculiaridades se repetem uma e outra vez.
Em última análise, tem de desenvolver o seu próprio método de como misturar melhor e mais eficientemente. E só se pode fazer isso com muita prática!
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