O termo "cadeia vocal" descreve uma série de dispositivos que são utilizados na gravação e mistura de vozes para que as vozes de uma canção soem o melhor possível. Como as vozes são sempre a parte mais importante de uma canção, é dada especial atenção a este tópico. Os jovens produtores, em particular, querem sempre saber quais as cadeias vocais que certos artistas utilizam para imitar o seu som.
Isso não é mau em si mesmo, aprender com os melhores produtores é sempre útil. No entanto, deve sempre ouvir por si próprio se esta cadeia vocal "bem conhecida" também é adequada para a sua própria situação, porque, afinal, cada voz é diferente. O que faz maravilhas a um cantor pode arruinar completamente o desempenho de outro.
É por isso que aconselho sempre a não adotar ou copiar cegamente quaisquer definições. Mesmo que o seu produtor favorito tenha comprimido a sua voz com 3 compressores diferentes na sua última faixa para a fazer soar muito gorda - isso pode ser demasiado para os seus vocais se a sua voz for naturalmente muito mais poderosa.
O que faz parte da cadeia vocal?
A cadeia vocal inclui normalmente o microfone vocal, o pré-amplificador, o conversor AD e todos os efeitos que são utilizados durante a gravação ou mais tarde durante a mistura. Naturalmente, a acústica da sala também desempenha um papel decisivo na gravação, mas não faz parte da cadeia vocal. Uma boa acústica da sala é um pré-requisito.
Sem uma boa acústica da sala, é muito difícil obter um som vocal perfeito, uma vez que os reflexos da sala são sempre audíveis até um certo ponto. Se quiser saber como pode otimizar acusticamente a sua sala com pouco dinheiro, recomendo o meu Guia DIY para melhorar a acústica da sala.
Microfone vocal
O tema dos microfones vocais pode ser muito complexo, uma vez que cada voz tem os seus próprios requisitos, tal como cada sala. Se a sua sala não for acusticamente ideal, deve definitivamente utilizar um microfone dinâmico, como o Shure SM7B.
Se a acústica da sua sala for boa, deve escolher um microfone de condensador, uma vez que pode captar mais detalhes e tem uma resposta de frequência mais ampla.
Como principiante, normalmente quer um microfone que seja o mais neutro possível, para que possa conhecer a voz o melhor possível. Um microfone neutro também lhe dá mais opções quando misturar mais tarde. Estão disponíveis bons microfones de condensador neutros em todas as gamas de preços, por exemplo, o Rode NT1A (179€), o AKG C214 (398€), o Neumann TLM 103 (1039€) ou o Neumann U87Ai (2699€).
Se conhecer a sua voz um pouco melhor, pode experimentar microfones de coloração sonora que alteram um pouco o timbre da sua voz. Assim, fica mais limitado na mistura, pelo que precisa de saber de antemão se esta cor de tom corresponde à sua voz na canção (por isso, precisa de conhecer muito bem a sua voz).
Os microfones de coloração sonora são microfones de tubo, microfones de fita ou microfones de modelação como o Slate Digital ML-1, que recomendo vivamente.
Porque o tópico é tão complexo, escrevi uma comprehensive comparison of the best vocal microphones. Dê uma vista de olhos se estiver à procura de um!
pré-amplificador
O próximo elemento importante da cadeia vocal é o pré-amplificador. A sua tarefa é amplificar o sinal do microfone e colocá-lo a um nível com que possamos trabalhar.
Também aqui o assunto é muito complexo - existem mais de 300 modelos de pré-amplificadores diferentes. O Neve 1073, que foi considerado um dos melhores pré-amplificadores vocais durante décadas, é particularmente popular para gravações vocais.
Se tiver um orçamento apertado, também pode gravar com o pré-amplificador da sua interface de áudio; todas as interfaces de áudio modernas têm pré-amplificadores relativamente bons.
Se quiser saber mais sobre os melhores pré-amplificadores, recomendo o meu artigo aprofundado sobre pré-amplificadores.
Conversor AD
O conversor AD também desempenha um papel, embora menos importante do que o microfone ou o pré-amplificador. O conversor AD tem a tarefa de converter o sinal analógico (ondas eléctricas) num sinal digital (amostragem digital). A taxa de amostragem e a profundidade de bits desempenham aqui, naturalmente, um papel muito importante.
A maioria das interfaces modernas tem conversores de alta qualidade que podem facilmente trabalhar com 24 bits e uma taxa de amostragem de até 192 kHz. Pode, portanto, usar qualquer interface de áudio moderna como um conversor AD - mesmo as interfaces baratas da Behringer podem fazer este trabalho bem.
Efeitos
Efeitos como o compressor ou o EQ podem, obviamente, ser utilizados durante a gravação - especialmente quando se utilizam efeitos analógicos, são colocados entre o pré-amplificador e o conversor A/D para registar o timbre do efeito.
É bom se soubermos exatamente que queremos este efeito de qualquer forma - mas ficamos um pouco limitados quando misturamos porque não conseguimos obter esta cor de som. É por isso que sou mais a favor de gravar sem efeitos e utilizar todos os efeitos mais tarde, durante a mistura.
De-esser
O primeiro passo é frequentemente utilizar um de-esser para reduzir os sons S e as sibilâncias. Quando se gravam vozes com microfones de condensador, estas frequências altas tornam-se frequentemente um pouco desagradáveis, uma vez que estes microfones são muito detalhados e muitas vezes também têm um pequeno aumento nesta gama de frequências. Mas cada cantor é diferente - nem toda a gente precisa de um de-esser.
Um de-esser é um compressor que actua apenas numa frequência específica ou numa pequena gama de frequências. Esta é a gama em que ocorrem as sibilantes. Para os homens, esta gama de frequências é de cerca de 4,5 kHz, para as mulheres é de cerca de 7 kHz.
Se utilizar o de-esser primeiro, está a garantir que tem um sinal limpo que pode ser processado posteriormente. Se o de-esser for utilizado depois de um compressor, a sibilância pode ser amplificada pelo compressor e tornar-se incontrolável, o que significa que mesmo um de-esser posterior não ajudará muito.
No entanto, nem sempre é esse o caso - em caso de dúvida, basta experimentar o de-esser em diferentes pontos da cadeia vocal. Pessoalmente, coloco-o sempre em primeiro lugar.
Compressor
➔ Clique aqui para obter um artigo pormenorizado sobre o compressor
Um compressor é sempre usado nos vocais em produções modernas de pop e rock para garantir uma dinâmica consistente ao longo da música. A maior parte da música moderna produzida atualmente tem geralmente uma dinâmica baixa, pelo que o ouvinte espera que a gama dinâmica da voz seja correspondentemente baixa. No entanto, isto não se aplica à música acústica ou ao jazz.
Para além de reduzir a gama dinâmica da voz, um compressor também pode cumprir outra tarefa importante, nomeadamente o processamento de transientes da voz. Quantas vezes já ouviu dizer que uma gravação vocal bastante "estéril" ou "sem emoção" pode ser trazida de volta à vida com um compressor?
Eu próprio já tive de fazer isto muitas vezes quando uma gravação vocal, especialmente no género rap, não tinha potência suficiente. Com um compressor (ou dois) com definições ligeiramente mais extremas, é possível adicionar muita força e potência a uma gravação vocal. Tudo o que precisa é de um ataque lento e uma libertação rápida para enfatizar os transientes iniciais.
Mas não é necessário para todas as gravações vocais - se o cantor/rapper for bom, tem naturalmente essa potência e assertividade na voz, pelo que só precisa do compressor para manter a dinâmica sob controlo.
Em resumo, pode dizer-se que o compressor desempenha duas funções importantes:
- Mantém a gama dinâmica sob controlo - esta é frequentemente reduzida ao tornar as passagens altas mais silenciosas. Isto assegura que as vozes não soem subitamente muito mais altas do que o habitual e que o ouvinte se assuste quando ouve a canção em casa.
- Também pode ser utilizado para editar os transientes (ataque, libertação) da voz para tornar a voz mais assertiva e poderosa. Isto não é necessário em todas as canções, mas é particularmente popular em produções de hip-hop.
Se tiver de comprimir muito e estiver a trabalhar digitalmente (com plug-ins) de qualquer forma, recomendo a utilização de dois compressores com definições ligeiras em vez de um com definições extremas. Isto soa frequentemente muito mais natural do que se um compressor tiver de fazer todo o trabalho sozinho.
Equalizador
➔ Clique aqui para um artigo pormenorizado sobre os equalizadores
Em seguida, é frequentemente utilizado um equalizador se a gravação o exigir. Um equalizador pode sempre ser utilizado para dois objectivos diferentes:
- Corrigir frequências perturbadoras: Muitas vezes, há certas frequências que são demasiado enfatizadas na gravação e que, por isso, são perturbadoras, por exemplo, a gama de graves, que é demasiado enfatizada devido ao efeito de proximidade. Isto faz com que a voz soe mais escura do que o normal e pode até torná-la ininteligível se for muito pronunciada.
Neste caso, um equalizador é usado para reduzir um pouco as baixas frequências, e a voz geralmente soa mais clara, mais clara e mais brilhante como resultado. - Para alterar o timbre: Pode definir um equalizador de modo a alterar completamente o timbre da voz, por exemplo, aumentando certas frequências e diminuindo outras. Um exemplo clássico é o conhecido "efeito de telefone", em que a voz soa como se estivesse a sair de um telefone antigo. As frequências altas e baixas são completamente cortadas com um EQ, enquanto as frequências na faixa média-alta são aumentadas. A voz soa então completamente diferente.
Mas nem sempre é necessário fazer alterações tão grandes - muitas vezes, por exemplo, a gama de agudos é aumentada ligeiramente para tornar a voz um pouco mais "arejada".
Pessoalmente, acho que é melhor utilizar dois equalizadores, um para corrigir e outro para "aumentar", porque assim pode desligar rapidamente um ou outro para comparar a diferença de som.
Também não existem definições mágicas para o equalizador: O que soa muito bem para um cantor pode soar muito mal para outro cantor com um alcance vocal diferente. Aqui é particularmente importante criar as suas próprias curvas de equalização e não recorrer a quaisquer "predefinições" (ou, pelo menos, adaptar as predefinições se as quiser utilizar).
Pessoalmente, reduzo quase sempre um pouco as frequências mais baixas da voz (dependendo do cantor, a gama é diferente, mas algures entre 200 Hz e 800 Hz) para compensar o efeito de proximidade que ocorre muito frequentemente. Se a voz soar clara e distinta, utilizo um segundo equalizador onde procuro frequências agradáveis e aumento-as um pouco.
Pode fazê-lo criando uma banda de EQ com muito ganho e "varrendo" o espetro de frequências até encontrar uma frequência que soe particularmente bem. Depois, reduza novamente o ganho para um valor mais moderado (+1 dB a +5 dB).
Correção da afinação (também conhecida como Auto-Tune)
➔ Clique aqui para ver o artigo detalhado sobre o Auto-Tune
A correção da afinação garante que cada nota está correcta e que nada soa mal. É claro que nem todos os cantores precisam de afinação automática na sua voz, mas há certos géneros, como o pop moderno, em que é simplesmente esperado. Nas gravações de rock, por exemplo, o auto-tune é mal visto.
Pode obviamente usar o conhecido plugin Antares Auto-Tune, que ajusta automaticamente todos os tons a uma tecla introduzida, ou um plugin como o Melodyne, que lhe permite editar cada tom individualmente. Existem também muitos plugins Auto-Tune gratuitos no mercado.
Dependendo da forma como configurar o plugin, o efeito de correção de tom é claramente audível (o conhecido efeito de afinação automática que faz com que a voz pareça robótica) ou pode conseguir uma correção inaudível (desde que a voz original não esteja longe do tom desejado). Se este efeito é desejável depende, obviamente, do género e da canção.
Reverberação
Uma parte muito importante de qualquer cadeia vocal é o reverb. O reverb é usado para trazer uma voz seca "para dentro de uma sala" e criar uma sensação de distância/profundidade. O reverb funciona através de um canal de envio e não como uma inserção como os outros plugins. Portanto, é necessário criar um canal adicional para ele e usar um reverb com uma configuração de 100% Wet / 0% Dry.
Se der à voz muita reverberação, ela soa como se estivesse longe. Se usarmos pouco ou nenhum reverb, a voz soa como se estivesse mesmo à nossa frente. Só tens de experimentar o que funciona melhor para cada canção.
Um pequeno pré-delay é sempre usado com vocais para separar a voz do reverb. Um pré-delay simplesmente atrasa as primeiras reflexões do reverb e acaba por tornar este efeito mais subtil.
Normalmente, a reverberação só deve ser tão alta que mal se consegue ouvir na mistura geral, mas sim senti-la. Não deve ser audível de todo na mistura geral, mas deve senti-lo quando está a faltar. Tento sempre chegar a este ponto gradualmente, reduzindo o volume do reverb passo a passo e comparando sempre as vozes com e sem reverb até chegar a este ponto.
Claro que isto não se aplica se quiser um som vocal particularmente épico, como o de Travis Scott. Neste caso, o efeito de reverberação deve ser claramente audível.
Atraso (opcional)
O efeito de atraso também é muitas vezes utilizado subtilmente nas vozes para as tornar um pouco mais profundas na mistura ou um pouco mais largas no campo estéreo. Os tempos de atraso curtos actuam quase como uma reverberação, que também é conhecida como um atraso slapback, enquanto os tempos de atraso longos podem ser utilizados para transições ou outros efeitos.
Com um delay normal, a voz é repetida, dando a impressão de que a voz está longe. No entanto, se utilizar um atraso estéreo e compensar ligeiramente os tempos de atraso da esquerda e da direita, obtém uma largura estéreo natural e bonita. No entanto, isto deve ser sempre utilizado com precaução e apenas em pequenas quantidades, caso contrário a voz pode soar demasiado artificial.
Ao contrário de outros efeitos, que são quase sempre utilizados, não precisa de um delay para todas as músicas. Por isso, pense bem se precisa mesmo dele antes de o utilizar.
Correntes vocais de produtores conhecidos
O produtor ivanfromrnd publica entrevistas muito fixes com produtores conhecidos na sua página do Instagram e pergunta-lhes sobre as suas cadeias vocais, plugins favoritos e afins. Seleccionei entrevistas com produtores conhecidos em que ele lhes pergunta sobre as suas cadeias vocais para artistas conhecidos.
1. Kanye West (Produtor: Randy Urbanski)
Em este post, ele pergunta a Randy Urbanski, que produziu para Kanye West entre outros, qual cadeia vocal ele usa. A resposta dele:
- Microfone: Sony C800G (aprox. 12.000 euros), Neumann U67 (aprox. 7500 euros) ou Telefunken ELA M 251 (aprox. 12.000 euros)
- Pré-amplificador: Neve 1073 (aprox. 1700€)
- Compressor: Fairchild 670 (cerca de 70 000 euros na altura)
Como pode ver, uma cadeia vocal deste tipo pode tornar-se rapidamente muito cara - apenas algumas pessoas podem comprar tais dispositivos. No entanto, também é possível recriar esta cadeia vocal de forma económica com plugins/microfones de modelação.
2º NLE Choppa (Produtor: Aaron Mattes)
Em este post, ele pergunta a Aaron Mattes, que produz para o NLE Choppa entre outros, qual cadeia vocal ele usa. Sua resposta:
- Microfone: Neumann U87 (aprox. 2.700 euros) ou Sony C800G (aprox. 12.000 euros)
- Pré-amplificador: Neve 1073 (aprox. 1700€)
- Compressor: Tube-Tech CL1B (aprox. 3700€)
Esta cadeia vocal é mais barata do que a primeira, mas continua a ser bastante cara. No entanto, existem também inúmeros plug-ins que podem imitar o som deste equipamento.
3. Ariana Grande (Produtor: Billy Hickey)
Billy Hickey escreve em seu próprio blog o que ele usa para uma cadeia vocal, e ele é um pouco mais flexível:
- Microfone: Depende do artista, mas ele gosta de usar microfones de tubo da Neumann (U67) ou da Telefunken (Telefunken ELA M 251). Por vezes, traz o seu próprio microfone, um Soundelux iFet 7, se nenhum destes estiver disponível.
- Pré-amplificador: Neve 1073
- Compressor: Tube Tech CL1B
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