Le mixage audio : Le guide ultime

Tu veux savoir comment mixer de la musique ? Alors je peux (malheureusement) déjà te dire qu'il n'y a pas de formule magique ou de règles pour cela. Le mixage est un art maîtrisé par les techniciens du son et les producteurs de musique, mais il est toujours adapté individuellement à chaque chanson.

Il n'y a pas de règles en matière de mixage, mais il y a des techniques qui sont souvent utilisées par de nombreux producteurs, car le résultat qui en résulte est considéré comme beau par de nombreuses personnes.

Ce sont précisément les techniques de mixage qui font l'objet de cet article. J'ai appris beaucoup de ces concepts pendant ma formation d'ingénieur du son - mais j'en ai aussi appris beaucoup par moi-même au cours de ma carrière.

Qu'est-ce que le mixage audio ?

Le mixage audio est l'avant-dernier processus de la production musicale, qui a lieu après l'enregistrement et avant le mastering. Lors du mixage de la musique, les pistes audio enregistrées sont traitées, les effets comme la compression, EQLes sons sont ensuite mixés en un seul fichier stéréo.

L'objectif est de produire une chanson au son équilibré. Par exemple : les fréquences basses ne doivent pas être trop fortes, sinon elles couvrent tout le reste ; mais elles ne doivent pas non plus être trop faibles, sinon elles manquent de punch et le morceau sonne trop faiblement.

Les différentes pistes sont également réparties sur l'image stéréo, par exemple le charleston peut être placé sur le côté gauche (panoramique gauche) et la guitare sur le côté droit (panoramique droit). Certains éléments sont souvent placés sur les côtés, mais d'autres, comme par exemple la basse, se trouvent toujours au milieu. Nous y reviendrons plus tard !

Je vois les choses ainsi : avant le mixage, une chanson est plate et tout se trouve sur le même plan. Mon objectif lorsque je mixe de la musique est toujours de créer une image stéréo tridimensionnelle, comme si les instruments se trouvaient dans une salle de concert.

Pourquoi en trois dimensions ? Dans le mixage audio, tout comme en géométrie, il y a trois dimensions. Pour mieux s'en rendre compte, il est utile de s'imaginer tous les instruments de la chanson sur une scène live :

1. HauteurCet axe décrit où se trouvent les instruments en hauteur, c'est-à-dire quel instrument se trouve au-dessus ou en dessous d'un autre instrument. Les instruments aigus se trouvent en haut de l'image stéréo, tandis que les instruments graves se trouvent en bas. Tu peux influencer cela avec l'EQ.
2. Largeur: Cette dimension décrit si les instruments sonnent à droite ou à gauche. Le panoramique te permet de positionner les différentes pistes audio à gauche ou à droite du centre stéréo afin de créer une image sonore large. Si je laisse tout au milieu et que je ne fais pas de panoramique, j'obtiens un morceau en mono plutôt qu'en stéréo.
3. ProfondeurCet axe décrit si un élément se trouve devant ou derrière un autre élément dans le mixage et est principalement influencé par les effets de réverbération et de delay. Si j'ajoute plus de réverbération à une piste audio, cette piste sonne plus loin de moi. En revanche, si j'ai une piste sans aucune réverbération, elle sonne comme si elle était juste devant moi.

L'art du mixage consiste à être intelligent et à utiliser les différentes dimensions en sa faveur.

Voici un exemple pratique que j'ai déjà rencontré à plusieurs reprises : J'ai une chanson avec une chanteuse et un guitariste solo qui jouent tous les deux en même temps. Les deux sont des éléments principaux, donc je veux qu'ils soient tous les deux au centre de la stéréo.

Ils jouent/chantent aussi à peu près dans la même gamme de fréquences, donc ils ne diffèrent pas non plus en hauteur, du moins pas beaucoup.

Je constate cependant que les deux entrent en collision et devraient être séparés dans l'image stéréo - quelles sont donc mes possibilités ?

Le traitement de la profondeur ! J'ajoute de la réverbération à la piste de guitare pour qu'elle sonne distante, tandis que je laisse la piste de chant assez sèche pour qu'elle sonne "In-Your-Face". C'est une façon de séparer les deux pistes pour qu'elles n'entrent pas en collision l'une avec l'autre.

J'aimerais maintenant expliquer ma méthode de mixage, que j'ai développée au fil des années. Je passe toujours par certaines étapes pour apporter une structure à mon processus de mixage.

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0. Avant le mixage : Entraînement des oreilles

Commence toujours par écouter tes chansons de référence sur tes haut-parleurs/casques.

Je n'insisterai jamais assez sur ce point ! C'est une étape qui est si souvent négligée, mais qui peut te faire gagner énormément de temps.

Tu dois connaître ton système d'écoute (c'est-à-dire tes moniteurs de studio ou tes écouteurs) très précisément. Pour cela, tu dois savoir comment les chansons produites de manière professionnelle sonnent sur ton système d'écoute.

J'ai vu des ingénieurs du son faire des mixages étonnants sur des moniteurs relativement bon marché, car ils savaient exactement comment les chansons devaient sonner sur ces moniteurs.

Cela signifie que même si ton système d'écoute n'est pas 100% linéaire (ce qui sera le cas pour la plupart, car une pièce parfaitement optimisée sur le plan acoustique peut être très, très coûteuse), ce n'est pas une mauvaise chose. Mais tu dois savoir quelles fréquences sont particulièrement accentuées dans ta pièce et lesquelles sonnent plus faiblement qu'elles ne le devraient.

Sinon, tu compenseras trop et tes mixages ne seront pas bien transférés sur d'autres systèmes de monitoring.

C'est pourquoi j'écoute toujours quelques-unes de mes chansons de référence (ou si le client envoie des chansons de référence, je les écoute aussi) pendant environ 20 minutes avant de commencer à mixer.

Cela m'aide à me faire une idée de la direction que doit prendre la chanson et de la manière dont les différents éléments de la chanson se comportent les uns par rapport aux autres.

Et je répète toujours ce processus de temps en temps pendant les longues sessions de mixage. C'est une sorte de pause, dont on a de toute façon besoin, qui m'aide à garder le cap.

1. choisis ton DAW

Vous avez probablement déjà choisi votre DAW - si ce n'est pas le cas, vérifiez notre comparatif ultime des DAW. J'y compare les 12 DAW les plus courantes sur le marché.

En fin de compte, peu importe la DAW que tu utilises pour le mixage - tu dois juste la maîtriser un minimum et être à l'aise avec elle. Sinon, des difficultés techniques peuvent interrompre ton workflow de mixage créatif et te distraire - ce que nous ne voulons en aucun cas.

Personnellement, j'ai toujours préféré Pro Tools pour le mixage (et l'enregistrement) - mais c'est aussi parce que j'ai toujours dû travailler avec Pro Tools pendant ma formation d'ingénieur du son et qu'il s'est imposé à moi. Il existe aussi des alternatives moins chères et moins compliquées qui fonctionnent tout aussi bien, comme Ableton Live ou Logic Pro.

2. préparation du projet

L'ordre et le soin sont très importants pour la phase de mixage. Surtout si tu dois travailler sur des projets avec beaucoup de pistes - sans ordre, cela peut vite devenir un énorme chaos, où tu ne sais plus quel instrument se trouve sur quelle piste.

Je parle bien sûr d'expérience, car au début, j'ai toujours fait l'erreur de ne pas nommer correctement les pistes, et j'ai fini par avoir des projets de 40 pistes qui s'appelaient Audio1_dup_1 à Audio1_dup_40.

Et quand tu veux changer quelque chose sur la guitare, il te faut d'abord cinq minutes pour trouver dans quelle piste elle se trouve !

Conseil : commence toujours par de bonnes prises de vue

Dans 99% des cas, cela vaut la peine de réenregistrer la performance si tu réalises pendant la phase de mixage que quelque chose ne te plaît pas dans l'enregistrement.

On a souvent tendance à être paresseux et à dire : je corrigerai cela plus tard au mixage. Non, fais-toi plaisir et enregistre-le encore une fois - c'est souvent la meilleure solution.

Si le chanteur chante beaucoup plus fort dans le premier couplet de la chanson que dans le deuxième et que tu essaies de compenser cela avec un compresseur, les deux couplets auront un son très différent.

Dans le premier couplet, le compresseur doit travailler beaucoup plus. De ce fait, la voix semble plus écrasée et moins dynamique que dans le deuxième couplet. Pour l'auditeur, cela ne sonne pas naturel.

Donc : il vaut mieux reprendre le premier couplet et essayer de faire en sorte que le chanteur chante au même volume et avec la même énergie que dans le deuxième couplet.

Importe et nomme les traces

Tu dois absolument nommer correctement toutes tes pistes afin de toujours savoir immédiatement quel instrument se trouve sur quelle piste. C'est incroyablement important pour que ton flux de travail créatif et ta concentration ne soient pas interrompus.

Personnellement, je choisis toujours les mêmes noms et le même emplacement pour les pistes dans chaque projet de mixage. Ainsi, je sais toujours que, par exemple, mon kick est tout à gauche (la 1ère piste) et que mon chant est tout à la fin (la dernière piste), et je peux donc toujours accéder rapidement à ces deux pistes importantes.

Colorie et regroupe tes traces

Lors du mixage, je colorie toujours les pistes par groupes d'instruments. C'est aussi particulièrement utile pour exporter des stems après le mixage.

• Bleu pour toutes les pistes de batterie et de percussion comme la grosse caisse, la caisse claire, le hihat, le tom, la cowbell, le tambourin, etc. J'utilise le bleu foncé pour les pistes de batterie et le bleu clair pour les percussions. Ainsi, je sais qu'elles appartiennent au même groupe, mais je peux aussi les distinguer rapidement les unes des autres.
• Rouge pour toutes les pistes de guitare. Par exemple : rouge foncé pour la guitare lead et rouge clair pour la guitare rythmique.
• Jaune pour la basse. Par exemple, si j'ai encore un synthétiseur pour compléter la basse, il sera coloré dans une autre teinte de jaune.
• Vert clair pour les lead vocals et Vert foncé pour les backing vocals.
• Orange pour le piano
• Lila pour l'orgue.

Ce n'est qu'un exemple pour illustrer la manière dont je procède dans certains cas.

3. Équilibre général

La première chose que je fais toujours, c'est de mettre toutes les pistes à peu près au même volume, pour créer un équilibre général.

Cela me permet d'avoir rapidement une idée de ce qui est juste et de ce qui ne l'est pas, de ce qui doit être mis en valeur et de ce qui doit être corrigé. Je me fais une idée générale de ce qu'il faut faire dans la chanson.

C'est une étape importante, car la capacité à juger de manière neutre diminue avec le temps si tu travailles longtemps sur un mix. C'est pourquoi la première impression est particulièrement importante.

Lors de mes premières sessions de mixage, j'avais toujours une feuille de papier avec moi pour noter des idées à ce stade, afin de ne pas les oublier plus tard. Je le recommande à tous ceux qui débutent dans le mixage.

Si tu as produit et enregistré la chanson toi-même, tu peux probablement sauter cette étape, car tu as déjà un mixage brut (c'est ainsi que l'on appelle un mixage non terminé, dont les rapports de volume sont à peu près corrects) et une idée de la chanson.

4. traitement (sound shaping) de pistes individuelles

Après avoir créé une balance générale et donc un mixage approximatif, je passe en revue chaque piste nécessitant des modifications et je les édite. Il s'agit de donner à chaque piste le son souhaité et de corriger les erreurs et les problèmes sans vraiment faire beaucoup de mixage.

En général, j'écoute le morceau avec tous les autres - mais de temps en temps, je l'écoute aussi en solo lorsque je fais certains changements de réglages.

Il est toujours important de garder une vue d'ensemble (ou plutôt une oreille attentive) lorsque tu travailles sur un seul morceau. C'est pourquoi il est conseillé de ne pas écouter le morceau seul trop longtemps - car les auditeurs ne l'écouteront jamais seuls non plus.

En effet, à quoi sert une très bonne grosse caisse avec un low-end riche qui sonne super bien seule, mais qui couvre tout le reste dans le mix ?

Alors: Le fait d'éditer des pistes en solo pendant le mixage ne pose pas de problème, à condition d'écouter toutes les autres pistes ensemble entre-temps pour évaluer l'impact de l'édition de ta piste sur l'ensemble du mixage.

Je vais maintenant essayer de décrire mon approche générale de l'édition des morceaux - même si j'ai un peu de mal à le faire. La raison en est que chaque chanson est vraiment unique et nécessite toujours des réglages différents, donc il n'y a pas de règles ou de conseils qui peuvent être appliqués à toutes les chansons.

Mais il y a des procédures et des situations qui se produisent assez souvent et que j'ai vécues à maintes reprises au cours de ma carrière - c'est sur cette base que je base mes recommandations. Mais comme je l'ai dit, ce ne sont pas des règles. Ta chanson nécessite des réglages que toi seul peux connaître.

Mixage vocal

Mon premier plugin dans la chaîne vocale est en général un Shelf-EQ, qui réduit les fréquences autour de 200Hz pour les chanteurs - ou 400Hz pour les chanteuses.

S'il y a du bruit ou d'autres parasites dans l'enregistrement, ils sont soit coupés manuellement, soit éliminés avec un Noise Gate - dans ce cas, le Noise Gate vient avant l'EQ.

Cela donne à la voix plus de clarté et d'affirmation dans le mixage et compense l'effet de proximité que l'on a toujours - dans une certaine mesure - en chantant.

Pour cela, j'ajoute toujours un filtre passe-haut qui élimine toutes les fréquences en dessous d'environ 100Hz - là, de toute façon, on ne devrait rien entendre de la voix, seulement un éventuel bruit ou ronflement de l'électronique.

La prochaine "mesure corrective" est généralement un dé-esseur pour supprimer les sifflements ("S" et "Sh").

Cela permet d'abord de faire disparaître ces bruits parasites gênants, et ensuite de ne pas influencer mon compresseur, qui est le prochain dans la chaîne.

Pour l'instant, cela me permet d'avoir des voix propres, claires et nettes.

Mon étape suivante est généralement la compression. Selon le chanteur ou la chanteuse, il faut ici plus ou moins de compression.

J'ai souvent transformé des performances faibles et sans énergie - surtout des voix hip-hop, lorsque le rappeur était en studio pour la première fois - en des voix vraiment superbes et vivantes, et ce principalement grâce à la compression.

Un compresseur égalise les pics les plus forts et les plus faibles et influence les transitoires. Cela peut bien sûr avoir des avantages, mais aussi des inconvénients. Quelques exemples d'application :

• Si le chant devient de temps en temps un peu trop fort ou trop faible et que tu trouves cela gênant, tu peux utiliser un compresseur pour compenser les différences de volume.
• Si le chanteur n'a pas beaucoup d'énergie pour chanter (et s'il ne peut pas faire mieux, car un nouvel enregistrement est toujours la meilleure solution), tu peux utiliser un compresseur avec une attaque moyenne et un relâchement rapide pour que le chant soit plus vivant et énergique. Cette technique est assez souvent utilisée dans le hip-hop.

En outre, je recommande toujours de diviser la compression en au moins 2 phases (c'est-à-dire 2 compresseurs). À l'heure du numérique, où tout le monde dispose de nombreux plug-ins, 2 compresseurs ne devraient pas poser de problème.

De cette manière, l'effet de compression est moins audible et plus naturel, car chaque compresseur doit travailler moins que s'il devait assumer seul toute la compression.

Si tu veux en savoir plus sur le mixage vocal, je te recommande mon article sur la chaîne vocale parfaite.

Mixage de batterie

Si tu as enregistré une véritable batterie, il est important de travailler avec un bon enregistrement. Si la batterie provient de samples, le plus important est de bien choisir les samples.

Le son de la batterie est en général très spécifique au genre, mais tout le monde veut toujours une batterie tight qui porte le rythme de la chanson d'un bout à l'autre.

Pour ce faire, la grosse caisse et la caisse claire sont généralement fortement comprimées, de sorte que les deux instruments se trouvent sur le même plan. Normalement, ces deux instruments ne jouent pas en même temps, donc on peut dire que tu devrais essayer de les mettre au même niveau sonore ressenti.

Mon VST préféré parmi les compresseurs de batterie est le DBX-160 de Waves, qui émule le modèle matériel classique DBX-160A.

Le son est génial pour la batterie, et il est livré avec plusieurs presets de grosse caisse et de caisse claire, qui sont de bons points de départ pour le réglage.

En principe, tu as besoin d'une attaque lente et d'un relâchement rapide pour que le kick et la caisse claire obtiennent le punch caractéristique.

Ne sois pas timide et donne une bonne quantité de compression si tu le peux - le kick et la caisse claire doivent généralement sonner très tight, et tu peux bien y arriver avec ce compresseur.

Je comprime aussi toujours les toms pour qu'ils sonnent tous de la même manière. J'utilise généralement le DBX ou le CLA-76 pour cela. Les réglages sont en gros similaires à ceux de la caisse claire - une attaque moyenne à lente et un relâchement rapide.

Pour les charlestons, c'est toujours différent, mais la plupart du temps, j'utilise un filtre passe-haut pour filtrer tout ce qui est en dessous d'environ 7 kHz.

Mais cela varie beaucoup - surtout selon que je travaille avec des samples ou avec un vrai charleston.

Les microphones d'overhead et d'ambiance de la batterie sont généralement compressés et ajoutés au minimum dans le mixage. Mais si l'on veut obtenir un son proche de celui du live, il est possible d'augmenter le volume de ces pistes.

Compression parallèle

En règle générale, je route alors toutes les pistes de batterie sur une nouvelle piste stéréo dans le mixage et je les comprime avec une compression parallèle.

Pour les genres durs comme le rock ou le heavy metal, la compression parallèle est effectuée avec des réglages extrêmes afin de faire vraiment rocker la batterie. Pour cela, le seuil est nettement abaissé et un ratio très élevé est choisi (par exemple 10:1).

Dès que la batterie semble extrêmement écrasée et surcompressée, tu peux commencer à baisser un peu la piste stéréo compressée ou le réglage Dry-Wet pour entendre davantage la batterie naturelle jusqu'à ce que le son convienne.

Cette technique peut être utilisée pour la batterie dans tous les genres si l'on veut qu'elle fasse vraiment du bruit.

Mixage des backing vocals (adlibs, doublures pour les hooks, etc.)

Les backing vocals sont également un élément important de tout mixage, qu'il s'agisse d'harmonies à trois voix pour un chant pop ou de gros doublons pour une accroche d'un morceau de rap.

Les backing vocals sont généralement plus compressés que les lead vocals afin qu'ils sonnent plus en arrière (car ils ont alors moins de dynamique). Ils doivent toujours sonner derrière les lead vocals.

Si la compression ne suffit pas pour cela, j'utilise souvent aussi un léger effet de flanger, qui met vraiment le chant en arrière-plan.

De plus, je fais toujours les backing vocals assez larges pour qu'ils n'entrent pas en collision avec les lead vocals, qui sont toujours au milieu.

J'aime aussi utiliser la correction de pitch, comme Auto-Tune, pour les backing vocals. Comme ils sont plutôt en arrière-plan, on peut appliquer davantage de corrections de pitch sans que cela se remarque beaucoup. C'est particulièrement utile lorsque les backing vocals sont en harmonie avec la voix principale, car cela donne un sentiment de perfection.

Mixage des basses

Quand je dis "basse", je parle aussi bien de vraies basses que de basses synthétiques.

La basse est généralement un instrument compliqué, car les basses fréquences sont difficiles à maîtriser. Il est très important que la basse n'entre pas en collision avec la grosse caisse, sinon les sons graves sont rapidement saturés.

Pour ce faire, il est possible soit d'égaliser différemment la basse et le kick, soit de travailler avec une compression sidechain.

La compression sidechain est utilisée pour compresser le niveau d'une piste audio, mais uniquement lorsqu'elle reçoit un signal d'une source externe (une autre piste audio).

Tu places donc un compresseur sidechain sur la piste de basse et tu choisis la grosse caisse comme entrée sidechain. De cette façon, la basse est toujours diminuée lorsque la grosse caisse frappe et elles n'entrent pas en collision l'une avec l'autre.

Je préfère toujours cette variante lors du mixage, car je n'ai ainsi pas besoin de travailler avec l'EQ et de modifier le son des instruments.

Normalement, on ajoute ensuite un compresseur normal avec des réglages relativement doux. Cela me permet de contrôler un peu mieux le volume et les niveaux.

Et si je trouve qu'il manque encore un peu de punch à la basse, je laisse le compresseur travailler un peu plus, avec un réglage similaire à celui de la batterie.

La saturation ou l'overdrive aident aussi beaucoup la basse, surtout pour la rendre audible sur de petits haut-parleurs comme les téléphones portables. De plus, elle s'impose mieux dans le mixage.

Convient à cet effet : EQ et compression du sub-bass pour un mixage propre

Autres éléments (guitare, piano, cordes, etc.)

Pour les autres éléments, il est difficile d'émettre une recommandation générale, car d'une part, le choix exact de l'instrument est différent pour chacun et, d'autre part, les réglages de ces instruments sont parfois si différents qu'il est difficile de généraliser.

Mais la plupart du temps, on essaie de créer une image stéréo large avec ces instruments rythmiques.

Dans le domaine du rock/heavy, les guitares sont presque toujours enregistrées en double (double tracking), avec une piste à gauche et une à droite, pour obtenir un effet stéréo sympa.

Les pianos sont également souvent répartis sur l'image stéréo, en essayant d'avoir les sons graves d'un côté et les sons aigus de l'autre, exactement comme sur les vrais pianos.

Les strings et les pads ont aussi tendance à être répartis largement sur l'image stéréo en retardant brièvement la phase de l'onde d'un côté - ne t'inquiète pas, de nombreux plugins s'en chargent pour toi, comme par exemple le Slate Digital Murda Melodies, mon plugin de widening stéréo préféré.

Essaie donc de construire, à partir de tels instruments rythmiques, une base harmonique solide qui complète bien le beat de la batterie + basse et qui constitue la structure de base des vocaux sur lesquels on chante.

5. Correction de pistes individuelles, mais en tenant compte de l'ensemble du mixage

Après avoir effectué les corrections majeures sur les différentes pistes, et donc terminé mon sound design, le mixage proprement dit commence.

A ce stade, je me fais les réflexions suivantes :

• Comment les pistes audio interagissent-elles entre elles dans le mixage ?
• Où les traces sont-elles en conflit les unes avec les autres ?
• Qu'est-ce qui doit être particulièrement mis en avant dans le mix ?
• Qu'est-ce qui manque ? Où y a-t-il des lacunes dans le mix ?
• Où chaque élément doit-il être placé dans l'image stéréo ?

Mixage avec EQ pour les fréquences en conflit

Supposons que nous ayons une piste de guitare et une piste de piano, où les deux instruments jouent dans des plages de fréquences similaires. Dans cette zone, le son est boueux et peu clair, et tu veux séparer les deux instruments.

Pour cela, tu utilises des EQ : tu dois trouver sur l'une des deux pistes une plage de fréquences qui sonne particulièrement bien dans cette chanson et l'accentuer un peu. Ensuite, tu devrais réduire exactement la même plage de fréquences sur l'autre piste avec l'EQ afin de faire de la place pour l'autre piste.

Tu pourrais maintenant répéter ce processus dans l'ordre inverse et créer un "trou" dans la première piste dans une autre plage de fréquences, puis accentuer l'autre piste dans cette plage.

Mais tu dois être prudent et toujours écouter attentivement si tu fais trop d'EQ, car trop d'EQ peut conduire à un son peu naturel et à des problèmes de phase.

Panning pour la largeur dans le mix

Au cours de cette phase, je détermine l'endroit où chaque instrument sera placé dans l'image stéréo. Il y a quelques règles qui s'appliquent dans 99% des cas :

• Les voix doivent être placées au milieu
• La grosse caisse doit être au centre
• La basse doit être au centre

De même, la caisse claire se trouve généralement au milieu, mais ce n'est pas toujours le cas. Tous les autres instruments sont répartis dans le panorama stéréo. J'essaie toujours d'avoir le même nombre d'instruments à gauche qu'à droite, pour que les deux côtés aient plus ou moins le même volume.

Lors du panning, il est toujours important de veiller à ce que tu laisses suffisamment de place au centre pour les voix. Cela vaut pour tous les instruments qui se trouvent également au milieu - il ne devrait pas y en avoir trop, à part le kick, la basse et la caisse claire.

Mais si tu as par exemple un synthétiseur mono très important dans la chanson, que tu ne veux pas avoir à gauche ou à droite parce qu'il joue un rôle porteur important, utilise un plugin de stéréo widening et élargis-le. Ainsi, il reste de la place au milieu pour les voix.

Compression + automation, pour garder la dynamique sous contrôle dans le mixage

Si tu écoutes toutes les pistes, il se peut que tu remarques que, de temps en temps, quelque chose est trop fort ou trop faible.

Le guitariste peut par exemple avoir joué un peu trop fort pendant le refrain, ou le batteur peut avoir joué trop doucement les 2 premières mesures parce qu'il n'était pas encore sûr de lui. Tout cela est déjà arrivé.

Il existe deux solutions :

Compression

Tu peux simplement compresser la piste pour compenser les différences de dynamique. L'avantage de cette méthode est qu'elle est relativement simple et rapide à réaliser. L'inconvénient est cependant que le son de l'instrument/de la voix est modifié par un compresseur, il sonne plus écrasé.

Automation

Si tu travailles plutôt avec l'automation, le son original de la piste reste inchangé et tu peux quand même contrôler les parties faibles et fortes.

L'avantage de cette méthode est que tu as un contrôle à 100% sur ce qui se passe exactement avec la dynamique (avec un compresseur, tu n'as pas ce contrôle, le compresseur réagit différemment à chaque mot/son).

En outre, comme nous l'avons déjà mentionné, le son de l'instrument ou de la voix reste inchangé et ne sonne pas écrasé, comme c'est le cas avec un compresseur.

L'inconvénient de cette méthode est toutefois qu'elle prend beaucoup de temps. Tu dois traiter chaque partie manuellement, ce n'est pas automatique. Tu n'as donc pas toujours le temps ou le client n'a pas le budget pour tout automatiser manuellement, c'est pourquoi de nombreux producteurs ont recours au compresseur.

Réverbération pour 3D/profondeur dans le mix

Nous arrivons maintenant à la réverbération (reverb). C'est l'un des effets les plus importants pour créer la profondeur que tout le monde attend de certains instruments. Que seraient les adlibs de Travis Scott sans sa réverbération massive ?

Il n'y a pas de règles pour le mixage, même pas pour la réverbération. Mais ce que je peux te dire, c'est qu'en tant que débutant, on a tendance à mettre beaucoup trop de réverbération sur les pistes. Quand j'écoute mes mixes du début de ma carrière, c'est ce qui me frappe et me dérange le plus.

La réverbération doit être présente, mais si peu qu'on ne la remarque pas vraiment. Ce n'est que lorsque tu mutes la piste de réverbération que tu devrais remarquer qu'il y avait de la réverbération avant - car alors tu as tout fait correctement.

Je veux juste dire que tu dois faire très attention avec la réverbération, sinon tu vas vite te retrouver avec une énorme bouillie où tout sonne flou parce que tout est recouvert de réverbération.

En général, on laisse les instruments graves sans réverbération (comme la grosse caisse ou la basse), et on ne l'applique qu'aux instruments qui jouent dans les moyennes et hautes fréquences.

Beaucoup de réverbération fait sonner l'instrument lointain. Peu de réverbération signifie que l'instrument sonne comme s'il se trouvait juste devant toi. En fonction de ce que tu veux obtenir, tu devrais réfléchir à la quantité de réverbération à mettre sur la piste :

• Est-ce que je veux que le chanteur sonne comme s'il assistait à un concert en direct dans un stade de football ? Dans ce cas, j'ai certainement besoin de beaucoup de réverbération pour mes voix.
• Ou est-ce que j'ai une chanson d'amour pleine d'émotions et que je veux que les voix sonnent comme si elles te chuchotaient à l'oreille ? Dans ce cas, il vaut mieux que je n'utilise pas ou très peu de réverbération.

Pour le chant, il vaut la peine de jeter un coup d'œil sur les réglages de pré-delay de la réverbération - c'est une bonne façon de séparer le chant principal de la réverbération et de rendre l'effet un peu plus subtil.

Delay pour la profondeur du mix

Le delay est un effet créatif que l'on peut utiliser de nombreuses manières. De manière générale, on peut dire que le delay contribue aussi à la profondeur du son.

Comme pour la réverbération, les pistes auxquelles on a ajouté un délai sonnent plus loin que si elles n'avaient pas d'effet de délai.

Les délais rapides (par exemple le délai Slapback) ont un son similaire à celui d'une réverbération à ressort, tandis que les délais avec des temps longs sonnent comme si tu criais dans le Grand Canyon et que tu entendais les échos.

Les retards sont bons pour combler les lacunes vocales. Si le chanteur intègre une pause dans sa partie, il peut être cool de répéter les derniers mots avec un retard et de les faire résonner pendant la pause.

Et les delays stéréo avec des temps de delay légèrement différents à gauche et à droite rendent ta piste plus large - un peu de cela peut être assez cool pour les vocaux.

Phaser/Flanger pour effets expérimentaux

Les phasers et les flangers peuvent aussi être assez cools si tu les utilises de temps en temps. Tu peux les utiliser sur des guitares, des pianos, des synthétiseurs, thérémine ou même appliquer le chant pour créer des sons plus expérimentaux.

Tu dois cependant être très prudent, car les choses peuvent très vite devenir bizarres et étranges. Il faut donc toujours écouter attentivement ce qui se passe.

J'aime aussi utiliser le flanger pour les backing vocals féminins - je trouve qu'il sonne très bien quand on en ajoute un peu.

Et j'aime bien utiliser le phaser sur les guitares quand il faut qu'elles sonnent un peu extraterrestre.

6. mixage - équilibre final

Vient maintenant la phase où j'essaie de travailler exclusivement avec les faders et de ne pas modifier les réglages des effets.

J'ai déjà toutes les pistes telles que je les veux, il ne me reste plus qu'à affiner et à équilibrer les volumes.

C'est probablement le processus le plus difficile et celui qui demande le plus de concentration. Tu dois vraiment écouter attentivement tout ce qui se passe dans ta chanson.

Il est souvent intéressant de créer des groupes à partir de différentes pistes (par exemple, si tu as divisé la batterie en 12 pistes, comme la grosse caisse, la caisse claire, le charleston, etc.) Tu peux créer des groupes de batterie, de chant principal + backing vocals, de piano + piano, etc.

Ainsi, tu n'auras plus qu'à mélanger les groupes entre eux par la suite, et tu ne devras plus travailler qu'avec 5 ou 6 faders au lieu de 40.

La plupart du temps, je commence par la batterie. Les pistes de batterie sont mixées ensemble puis regroupées.

Ensuite, j'ajoute ma basse et j'équilibre les deux instruments. Au final, il doit rester une base solide sur laquelle tout le reste peut bien jouer.

Ensuite, j'ajoute tous mes autres instruments rythmiques et je mixe le tout pour obtenir une sorte d'instrumental - donc sans les voix.

Ensuite, j'apporte le lead vocal et les backing vocals. Et s'il y a un solo sur un instrument quelque part, il intervient maintenant aussi.

Dans le meilleur des cas, je n'ai pas besoin de revenir en arrière et mon mix est prêt, mais c'est rarement le cas. Au final, il faut toujours revenir en arrière et changer quelque chose jusqu'à ce que tu sois 100% satisfait.

Bonus : automatisation créative

Maintenant que le mix de 100% est prêt et que je l'ai testé sur différents moniteurs de studio, il reste une dernière chose à faire pour faire passer la production au niveau supérieur.

Automatisation créative. C'est ainsi que j'appelle l'automatisation, qui n'a pas pour but de corriger les erreurs (comme je l'ai déjà mentionné), mais de mettre en valeur les parties particulièrement importantes du chant (ou du solo).

Voici un exemple pratique : Si le chant atteint un point culminant dans le pont de la chanson avant la résolution vers le couplet et que le chant y est particulièrement beau, j'utiliserais l'automation pour augmenter le chant de +1dB maximum, de manière à créer une sorte de cresscendo.

Ou si je veux mettre l'accent sur le tout dernier refrain de la chanson, je peux utiliser Automation pour augmenter le volume de mes backing vocals ici - pour que ce refrain sonne immédiatement différent et plus puissant que les autres.

Conclusion

Mes recommandations ne sont pas des règles ou des formules magiques qui fonctionnent partout - ce sont des techniques que j'ai souvent utilisées au cours de ma carrière, car certains schémas, erreurs et particularités se répètent sans cesse.

En fin de compte, tu dois développer ta propre méthode pour mélanger le mieux et le plus efficacement possible. Et tu n'y arriveras qu'avec beaucoup de pratique !