Le terme "Vocal Chain" décrit une série d'appareils utilisés lors de l'enregistrement et du mixage des voix afin que le chant d'une chanson sonne aussi bien que possible. Comme le chant est toujours la partie la plus importante d'une chanson, une attention particulière est accordée à ce sujet. Les jeunes producteurs, en particulier, veulent toujours savoir quelles chaînes vocales certains artistes utilisent pour imiter leur son.
Ce n'est pas une mauvaise chose en soi, apprendre de meilleurs producteurs est toujours utile. Toutefois, il faut toujours écouter soi-même si cette chaîne vocale "connue" est adaptée à sa propre situation, car après tout, chaque voix est différente. Ce qui fait des merveilles pour un chanteur peut complètement ruiner la performance d'un autre.
C'est pourquoi je conseille toujours de ne pas adopter ou copier aveuglément n'importe quel réglage. Même si ton producteur préféré a compressé la voix de son dernier morceau avec trois compresseurs différents pour la faire sonner vraiment grosse - pour ton chant, quelque chose comme ça pourrait être beaucoup trop si ta voix est naturellement beaucoup plus puissante.
Qu'est-ce qui fait partie de la Vocal Chain ?
La chaîne vocale comprend généralement le microphone vocal, le préamplificateur, le convertisseur AD et tous les effets utilisés pendant l'enregistrement ou plus tard lors du mixage. Bien entendu, l'acoustique de la pièce joue également un rôle décisif lors de l'enregistrement, mais elle ne fait pas partie du Vocal Chain. Une bonne acoustique de la pièce est une condition préalable.
En effet, sans une bonne acoustique de la pièce, il est très difficile d'obtenir des voix au son parfait, car les réflexions de la pièce sont toujours audibles jusqu'à un certain point. Si tu veux savoir comment optimiser l'acoustique de ta pièce avec peu de moyens, je te recommande mon guide DIY pour améliorer l'acoustique de ta pièce.
Microphone vocal
La question du microphone vocal peut être très complexe, car chaque voix a ses propres exigences, tout comme chaque pièce. Si l'acoustique de ta pièce n'est pas optimale, tu dois absolument utiliser un microphone dynamique comme le SM7B de Shure.
Si l'acoustique de ta pièce est bonne, tu devrais choisir un microphone à condensateur, car il peut capter plus de détails et a une réponse en fréquence plus large.
Normalement, en tant que débutant, tu veux avoir un microphone le plus neutre possible pour apprendre à connaître la voix le mieux possible. De plus, un microphone neutre te laissera plus tard le plus de possibilités lors du mixage. Il existe de bons microphones à condensateur neutres dans toutes les catégories de prix, par exemple le Rode NT1A (179€), l'AKG C214 (398€), le Neumann TLM 103 (1039€) ou le Neumann U87Ai (2699€).
Si tu connais un peu mieux ta voix, tu peux essayer les microphones colorants qui modifient un peu le timbre de ta voix. Tu es alors plus limité lors du mixage, tu dois donc savoir au préalable si ce timbre correspond à ta voix dans la chanson (tu dois donc bien connaître ta voix).
Les microphones qui colorent le son sont les microphones à lampe, microphones à ruban ou les microphones à modélisation comme le Slate Digital ML-1, que je recommande d'ailleurs vivement.
Comme le sujet est complexe, j'ai écrit un comparatif détaillé des meilleurs microphones vocaux. N'hésite pas à y jeter un coup d'œil si tu en cherches un !
préamplis
Le prochain élément important de la chaîne vocale est le préamplificateur (preamp). Il a pour fonction d'amplifier le signal du microphone et de l'amener à un niveau avec lequel nous pouvons travailler.
Là encore, le sujet est très complexe - il existe plus de 300 modèles de préamplis différents. Le Neve 1073, considéré depuis des décennies comme l'un des meilleurs préamplis vocaux, est particulièrement apprécié pour les enregistrements vocaux.
Si le budget est serré, tu peux aussi enregistrer sans problème avec le préamplificateur de ton interface audio, toutes les interfaces audio modernes ont des préamplificateurs relativement bons.
Si tu veux en savoir plus sur les meilleurs préamplis, je te recommande mon article détaillé sur les préamplis.
Convertisseur AD
Le convertisseur AD joue également un rôle, même s'il est moins important que le microphone ou le préamplificateur. Le convertisseur AD a pour tâche de convertir le signal analogique (ondes électriques) en un signal numérique (échantillonnage numérique). Le taux d'échantillonnage et la profondeur de bits jouent bien sûr un rôle très important dans ce processus.
La plupart des interfaces modernes disposent de convertisseurs de haute qualité qui peuvent travailler sans problème avec 24 bits et un taux d'échantillonnage allant jusqu'à 192 kHz. Tu peux donc utiliser n'importe quelle interface audio moderne comme convertisseur AD - même les interfaces bon marché de Behringer peuvent très bien faire ce travail.
Effets
Les effets tels que le compresseur ou l'égaliseur peuvent bien sûr être utilisés pendant l'enregistrement - surtout si l'on utilise des effets analogiques, on les place entre le préamplificateur et le convertisseur A/N afin d'enregistrer également le timbre de l'effet.
C'est bien de savoir exactement que l'on veut cet effet de toute façon - mais on est un peu limité au moment du mixage, parce qu'on ne peut justement pas faire ressortir ce timbre. C'est pourquoi je suis plutôt favorable à l'enregistrement sans effets et à l'utilisation de tous les effets plus tard au mixage.
Dé-Esser
La première chose que l'on fait souvent est d'utiliser un dé-esseur pour réduire les sons S et les sibilances. Lorsque l'on enregistre des voix avec des microphones à condensateur, ces hautes fréquences deviennent souvent un peu désagréables, car ces microphones sont très détaillés et ont souvent aussi un petit boost dans cette gamme de fréquences. Mais chaque chanteur est différent - tout le monde n'a pas besoin d'un dé-esseur.
Un dé-esseur est un compresseur qui n'agit que sur une certaine fréquence ou une petite plage de fréquences. Il s'agit de la zone dans laquelle les sibilances apparaissent. Chez les hommes, cette plage de fréquences est d'environ 4,5 kHz, chez les femmes d'environ 7 kHz.
En utilisant le dé-esseur en premier, on s'assure d'avoir un signal propre qui peut être traité par la suite. Si le dé-esseur est utilisé après un compresseur, les sibilances peuvent éventuellement être amplifiées par le compresseur et devenir incontrôlables, de sorte que même un dé-esseur après ne sera plus d'une grande aide.
Mais ce n'est pas toujours le cas - en cas de doute, il suffit d'essayer le dé-esseur à différents endroits de la chaîne vocale. Mais personnellement, je le mets toujours en premier.
Compresseur
➔ Cliquez ici pour lire l'article détaillé sur le compresseur
Un compresseur est toujours utilisé pour la voix dans les productions pop et rock modernes, afin de garantir une dynamique homogène tout au long de la chanson. La plupart des musiques modernes produites aujourd'hui ont généralement peu de dynamique, de sorte que l'auditeur s'attend à ce que la gamme dynamique de la voix soit par conséquent faible. Ce n'est toutefois pas le cas pour la musique acoustique ou le jazz.
Mais outre la réduction de la plage dynamique de la voix, un compresseur peut remplir une autre fonction importante, à savoir le traitement des transitoires de la voix. Combien de fois n'a-t-on pas entendu dire qu'il était possible de redonner vie à un enregistrement vocal plutôt "stérile" ou "sans émotion" à l'aide d'un compresseur ?
J'ai souvent dû le faire moi-même lorsqu'un enregistrement de chant, surtout dans le domaine du rap, n'avait pas assez de puissance. Avec un compresseur (ou deux) aux réglages un peu extrêmes, on peut donner beaucoup de punch et de puissance à un enregistrement de chant. Il suffit pour cela d'une attaque lente et d'un relâchement rapide pour faire ressortir les transitoires initiales.
Mais ce n'est pas nécessaire pour chaque enregistrement de chant - si le chanteur/rappeur est bon, il a naturellement cette puissance et cette capacité à s'imposer dans sa voix, de sorte que le compresseur n'est nécessaire que pour garder la dynamique sous contrôle.
En résumé, on peut donc dire que le compresseur remplit deux fonctions importantes :
- Il garde la gamme dynamique sous contrôle - on la réduit souvent en baissant le volume des passages les plus forts. Cela permet de s'assurer que le chant ne sonne pas soudainement beaucoup plus fort que d'habitude et que l'auditeur ne soit pas effrayé lorsqu'il entend la chanson chez lui.
- Il peut également être utilisé pour travailler les transitoires (attaque, relâchement) de la voix afin de rendre la voix plus affirmée et plus puissante. Cela n'est pas nécessaire dans toutes les chansons, mais est particulièrement apprécié dans les productions hip-hop.
Si vous devez beaucoup compresser et que vous travaillez de toute façon en numérique (avec des plug-ins), je vous conseille d'utiliser deux compresseurs avec des réglages légers plutôt qu'un seul avec des réglages extrêmes. Cela donne souvent un son beaucoup plus naturel que si un compresseur doit faire tout le travail tout seul.
Égaliseur
➔ Cliquez ici pour lire l'article détaillé sur les égaliseurs
Ensuite, on utilise souvent un égaliseur si l'enregistrement en a besoin. Un égaliseur peut toujours être utilisé à deux fins différentes :
- Pour corriger les fréquences gênantes: Très souvent, il y a certaines fréquences qui sont trop accentuées dans l'enregistrement et qui sont donc gênantes, par exemple la zone des basses qui est trop accentuée par l'effet de proximité. De ce fait, la voix semble plus sombre que la normale et peut même devenir incompréhensible si elle est très prononcée.
Dans ce cas, un égaliseur est utilisé pour réduire légèrement les fréquences basses et la voix semble ainsi généralement plus claire, plus distincte et plus lumineuse. - Pour modifier le timbre: On peut régler un égaliseur de manière à modifier complètement le timbre de la voix, par exemple en augmentant certaines fréquences et en en diminuant d'autres. Un exemple classique est le fameux "effet téléphone", dans lequel la voix semble sortir d'un vieux téléphone. Pour ce faire, les fréquences hautes et basses sont complètement coupées par un EQ, tandis que les fréquences dans la zone haute-moyenne sont augmentées. Mais il n'est pas toujours nécessaire de procéder à des modifications aussi importantes - on augmente souvent un peu les aigus, par exemple, pour rendre la voix un peu plus "aérée".
Personnellement, je trouve qu'il est préférable d'utiliser deux EQ, un pour corriger et un pour "booster", car cela permet de désactiver rapidement l'un ou l'autre pour comparer la différence de son.
Il n'y a pas non plus de réglages magiques pour l'EQ : Ce qui sonne très bien chez un chanteur peut sonner très mal chez un autre chanteur avec une autre tessiture. Dans ce cas, il est particulièrement important de créer ses propres courbes d'EQ et de ne pas recourir à n'importe quel "préréglage" (ou du moins d'adapter les préréglages si l'on veut absolument les utiliser).
Personnellement, je réduis presque toujours un peu les fréquences les plus basses de la voix (la plage varie selon le chanteur, mais elle se situe quelque part entre 200 Hz et 800 Hz) afin de compenser l'effet de proximité qui se produit très souvent. Ensuite, lorsque la voix est claire et distincte, j'utilise un deuxième EQ où je cherche de belles fréquences et je les accentue un peu.
On peut très bien faire cela en créant une bande EQ avec beaucoup de gain et en "balayant" le spectre de fréquences jusqu'à ce que l'on trouve une fréquence qui sonne particulièrement bien. Ensuite, on réduit à nouveau le gain à une valeur plus modérée (+1 dB à +5 dB).
Correction du pitch (également connue sous le nom d'auto-tune)
➔ Cliquez ici pour lire l'article détaillé sur Auto-Tune
La correction de la hauteur permet de s'assurer que chaque note est juste et que rien ne sonne de travers. Bien sûr, tous les chanteurs n'ont pas besoin de l'auto-tune sur leur voix, mais il y a certains genres, comme la pop moderne, où il est tout simplement attendu. Dans les enregistrements de rock, par exemple, l'auto-tune est plutôt mal vu.
Pour cela, on peut bien sûr utiliser le célèbre plugin Auto-Tune d'Antares, qui adapte automatiquement tous les sons à une tonalité saisie, ou un plugin comme Melodyne, qui permet d'éditer chaque son séparément. Il existe également de nombreux plugins Auto-Tune gratuits sur le marché.
Selon la manière dont on règle le plugin, l'effet de correction de la hauteur est clairement audible (le fameux effet d'auto-tune qui fait sonner la voix comme un robot) ou on obtient une correction inaudible (à condition que la voix originale ne soit pas très éloignée de la hauteur souhaitée). La question de savoir si cet effet est souhaitable dépend bien sûr du genre et de la chanson.
Réverbération
Une partie très importante de toute chaîne vocale est la réverbération. La réverbération est utilisée pour mettre une voix sèche "dans un espace" et créer une sensation de distance/profondeur. La réverbération fonctionne via un canal d'envoi et non comme un insert comme les autres plug-ins. Tu dois donc créer un canal supplémentaire pour cela et y utiliser une réverbération avec un réglage de 100% Wet / 0% Dry.
Si tu donnes beaucoup de réverbération à la voix, elle sonne comme si elle était loin. Si tu utilises peu ou pas de réverbération, la voix sonne comme si elle était juste devant toi. Il faut simplement essayer de trouver ce qui convient le mieux à chaque chanson.
Pour le chant, on aime toujours utiliser un peu de pre-delay pour séparer un peu la voix de la réverbération. Un pré-delay retarde simplement les premières réflexions de la réverbération, et rend finalement cet effet plus subtil.
Normalement, la réverbération doit être suffisamment forte pour qu'on l'entende à peine dans le mixage global et qu'on la sente plutôt. Elle ne devrait pas être audible du tout dans le contexte global, mais on doit sentir son absence. J'essaie toujours d'atteindre ce point progressivement, en réduisant le volume de la réverbération pas à pas, puis en comparant toujours le chant avec et sans réverbération, jusqu'à ce que j'atteigne ce point.
Cela ne s'applique évidemment pas si tu veux un son vocal particulièrement épique, comme par exemple chez Travis Scott. Dans ce cas, l'effet de réverbération doit être clairement audible.
Delay (en option)
L'effet de délai est également très apprécié pour être appliqué subtilement au chant, pour le rendre un peu plus grave dans le mixage ou un peu plus large dans le champ stéréo. Les délais courts donnent presque l'impression d'une réverbération, ce qui est aussi connu sous le nom de slapback delay, les délais longs peuvent bien être utilisés pour les transitions ou d'autres effets.
Avec un delay normal, la voix est répétée, ce qui donne l'impression que la voix est lointaine. Mais si l'on utilise un delay stéréo et que l'on décale légèrement les temps de delay de la gauche et de la droite, on obtient une largeur stéréo naturelle et agréable. Mais cela doit toujours être utilisé avec précaution et en petite quantité, sinon la voix risque de paraître trop peu naturelle.
Contrairement à d'autres effets qui sont presque toujours utilisés, on n'a pas besoin d'un delay pour chaque morceau. Réfléchis donc bien si tu en as vraiment besoin avant de l'utiliser.
Chaînes vocales de producteurs connus
Le producteur ivanfromrnd poste sur sa page Instagram des interviews très cool avec des producteurs connus et les interroge sur leurs chaînes vocales, leurs plugins préférés et autres. J'ai choisi des interviews de producteurs connus dans lesquelles il les interroge sur leurs chaînes vocales pour des artistes connus.
1. Kanye West (Producteur : Randy Urbanski)
Dans ce post, il demande à Randy Urbanski, qui a produit entre autres pour Kanye West, quelle chaîne vocale il utilise. Sa réponse :
- Microphone : Sony C800G (env. 12.000€), Neumann U67 (env. 7500€) ou Telefunken ELA M 251 (env. 12.000€)
- Préampli : Neve 1073 (environ 1700€)
- Compresseur : Fairchild 670 (environ 70.000€ à l'époque)
Comme on le voit, une telle Vocal Chain peut vite devenir très chère - seuls quelques-uns peuvent s'offrir de tels appareils. Il est toutefois possible de reproduire cette chaîne vocale à moindre coût avec des plug-ins/microphones de modélisation.
2. NLE Choppa (Producteur : Aaron Mattes)
Dans ce post, il demande à Aaron Mattes, qui produit entre autres pour NLE Choppa, quelle chaîne vocale il utilise. Sa réponse :
- Microphone : Neumann U87 (environ 2.700€) ou Sony C800G (environ 12.000€)
- Préampli : Neve 1073 (environ 1700€)
- Compresseur : Tube-Tech CL1B (env. 3700€)
Cette chaîne vocale est moins chère que la première, mais reste assez onéreuse. Mais là encore, il existe de nombreux plug-ins qui permettent d'imiter le son de cet équipement.
3. Ariana Grande (Producteur : Billy Hickey)
Billy Hickey écrit dans son propre blog ce qu'il utilise pour une Vocal Chain, et il est un peu plus flexible :
- Microphone : cela dépend des artistes, mais il aime utiliser des microphones à tube de Neumann (U67) ou de Telefunken (Telefunken ELA M 251). Parfois, il apporte le sien, un Soundelux iFet 7, lorsqu'aucun d'entre eux n'est disponible.
- Préampli : Neve 1073
- Compresseur : Tube Tech CL1B
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