El término "cadena vocal" describe una serie de dispositivos que se utilizan al grabar y mezclar voces para que éstas suenen lo mejor posible en una canción. Como las voces son siempre la parte más importante de una canción, se presta mucha atención a este tema. Los productores jóvenes, en particular, siempre quieren saber qué cadenas vocales utilizan determinados artistas para imitar su sonido.
Eso no es malo en sí mismo, aprender de los mejores productores siempre es útil. Sin embargo, siempre debes escuchar por ti mismo si esa cadena vocal "conocida" también es adecuada para tu propia situación, porque al fin y al cabo, cada voz es diferente. Lo que funciona de maravilla para un cantante puede arruinar por completo la interpretación de otro.
Por eso siempre desaconsejo adoptar o copiar ciegamente cualquier configuración. Incluso si tu productor favorito comprimió la voz con 3 compresores diferentes en su último tema para que sonara realmente gorda, esto podría ser demasiado para tu voz si esta es naturalmente mucho más potente.
¿Qué forma parte de la cadena vocal?
La cadena vocal suele incluir el micrófono vocal, el preamplificador, el convertidor AD y todos los efectos que se utilizan durante la grabación o posteriormente durante la mezcla. Por supuesto, la acústica de la sala también desempeña un papel decisivo en la grabación, pero no forma parte de la cadena vocal. Una buena acústica de la sala es un requisito previo.
Sin una buena acústica de la sala, es muy difícil conseguir que las voces suenen perfectas, ya que las reflexiones de la sala siempre son audibles hasta cierto punto. Si quieres saber cómo puedes optimizar acústicamente tu sala con poco dinero, te recomiendo mi guía DIY para mejorar la acústica de la sala.
Micrófono vocal
El tema de los micrófonos vocales puede ser muy complejo, ya que cada voz tiene sus propios requisitos, al igual que cada habitación. Si tu sala no es ideal desde el punto de vista acústico, sin duda deberías utilizar un micrófono dinámico como el Shure SM7B.
Si la acústica de la sala es buena, elige un micrófono de condensador, ya que puede captar más detalles y tiene una respuesta en frecuencia más amplia.
Como principiante, normalmente quieres un micrófono que sea lo más neutro posible para poder conocer la voz lo mejor posible. Un micrófono neutro también te da más opciones a la hora de mezclar más adelante. Hay buenos micrófonos de condensador neutros en todos los rangos de precios, por ejemplo el Rode NT1A (179€), el AKG C214 (398€), el Neumann TLM 103 (1039€) o el Neumann U87Ai (2699€).
Si conoces un poco mejor tu voz, puedes probar a utilizar micrófonos de coloración sonora que cambien un poco el timbre de tu voz. Entonces estarás más limitado a la hora de mezclar, por lo que tendrás que saber de antemano si este color tonal se corresponde con tu voz en la canción (por lo que tienes que conocer muy bien tu voz).
Los micrófonos que colorean el sonido son micrófonos de tubo, micrófonos de cinta o micrófonos de modelado como el Slate Digital ML-1, que recomiendo encarecidamente.
Como el tema es tan complejo, he escrito una comparativa exhaustiva de los mejores micrófonos vocales. ¡Échale un vistazo si estás buscando uno!
Preamplificador
El siguiente elemento importante de la cadena vocal es el preamplificador. Su tarea es amplificar la señal del micrófono y llevarla a un nivel con el que podamos trabajar.
También aquí el tema es muy complejo: hay más de 300 modelos de preamplificadores diferentes. El Neve 1073, considerado uno de los mejores preamplificadores vocales desde hace décadas, es especialmente popular para grabaciones vocales.
Si tienes un presupuesto ajustado, también puedes grabar con el preamplificador de tu interfaz de audio; todas las interfaces de audio modernas tienen preamplificadores relativamente buenos.
Si quieres saber más sobre los mejores preamplificadores, te recomiendo mi artículo en profundidad sobre preamplificadores.
Convertidor AD
El convertidor AD también desempeña un papel, aunque menos importante que el micrófono o el preamplificador. El convertidor AD tiene la tarea de convertir la señal analógica (ondas eléctricas) en una señal digital (muestreo digital). La velocidad de muestreo y la profundidad de bits desempeñan aquí, naturalmente, un papel muy importante.
La mayoría de las interfaces modernas disponen de convertidores de alta calidad que pueden trabajar sin problemas con 24 bits y una frecuencia de muestreo de hasta 192 kHz. Por lo tanto, puede utilizar cualquier interfaz de audio moderna como conversor AD; incluso las interfaces baratas de Behringer pueden hacer bien este trabajo.
Efectos
Por supuesto, los efectos como el compresor o el ecualizador se pueden utilizar durante la grabación; especialmente cuando se utilizan efectos analógicos, se colocan entre el preamplificador y el convertidor A/D para grabar el timbre del efecto.
Está bien si sabes exactamente que quieres este efecto de todas formas, pero estás algo limitado a la hora de mezclar porque no puedes sacar este color de sonido. Por eso soy más partidario de grabar sin efectos y utilizar todos los efectos después al mezclar.
De-esser
El primer paso suele ser utilizar un de-esser para reducir los sonidos S y los sibilantes. Al grabar voces con micrófonos de condensador, estas frecuencias altas suelen resultar algo desagradables, ya que estos micrófonos son muy detallados y a menudo también tienen un pequeño realce en este rango de frecuencias. Pero cada cantante es diferente: no todo el mundo necesita un de-esser.
Un de-esser es un compresor que sólo actúa sobre una frecuencia específica o una pequeña gama de frecuencias. Es la gama en la que se producen las sibilantes. En el caso de los hombres, esta gama de frecuencias se sitúa en torno a los 4,5 kHz, y en el de las mujeres, en torno a los 7 kHz.
Si utilizas el de-esser primero, te aseguras de que tienes una señal limpia que se puede seguir procesando. Si el de-esser se utiliza después de un compresor, la sibilancia puede ser amplificada por el compresor y volverse incontrolable, lo que significa que un de-esser posterior tampoco ayudará mucho.
Sin embargo, no siempre es así. En caso de duda, prueba a utilizar el de-esser en distintos puntos de la cadena vocal. Personalmente, siempre lo pongo en primer lugar.
Compresor
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En las producciones modernas de pop y rock siempre se utiliza un compresor en las voces para garantizar una dinámica constante a lo largo de toda la canción. La mayoría de la música moderna que se produce hoy en día suele tener una dinámica baja, por lo que el oyente espera que el rango dinámico de la voz sea correspondientemente bajo. Sin embargo, esto no se aplica a la música acústica ni al jazz.
Además de reducir el rango dinámico de la voz, un compresor también puede cumplir otra tarea importante: el procesamiento transitorio de la voz. ¿Cuántas veces has oído que una grabación vocal algo "estéril" o "sin emoción" puede volver a la vida con un compresor?
A menudo he tenido que hacerlo yo mismo cuando una grabación vocal, especialmente en el género rap, no tenía suficiente potencia. Con un compresor (o dos) con ajustes un poco más extremos, puedes añadir mucha pegada y potencia a una grabación vocal. Todo lo que necesitas es un ataque lento y una liberación rápida para enfatizar los transitorios iniciales.
Pero no es necesario para todas las grabaciones vocales: si el cantante o rapero es bueno, tiene naturalmente esa potencia y firmeza en su voz, así que sólo necesitas el compresor para mantener la dinámica bajo control.
En resumen, puede decirse que el compresor cumple dos tareas importantes:
- Mantiene el rango dinámico bajo control - éste suele reducirse haciendo más silenciosos los pasajes fuertes. Así te aseguras de que la voz no suene de repente mucho más alta de lo habitual y el oyente se sobresalte cuando escuche la canción en casa.
- También se puede utilizar para editar los transitorios (ataque, liberación) de la voz para hacer la voz más asertiva y potente. Esto no es necesario en todas las canciones, pero es especialmente popular en las producciones de hip-hop.
Si tienes que comprimir mucho y de todas formas trabajas digitalmente (con plugins), te recomiendo que utilices dos compresores con ajustes ligeros en lugar de uno con ajustes extremos. Esto suele sonar mucho más natural que si un compresor tiene que hacer todo el trabajo solo.
Ecualizador
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A continuación, se suele utilizar un ecualizador si la grabación lo requiere. Un ecualizador siempre puede utilizarse con dos fines distintos:
- Para corregir las frecuencias que molestan: Muy a menudo hay ciertas frecuencias que se acentúan demasiado en la grabación y, por lo tanto, molestan. Por ejemplo, la gama de graves, que se acentúa demasiado debido al efecto de proximidad. Esto hace que la voz suene más oscura de lo normal e incluso puede hacerla ininteligible si es muy pronunciada.
En este caso, se utiliza un ecualizador para reducir un poco las frecuencias bajas y, como resultado, la voz suele sonar más clara, nítida y brillante. - Para cambiar el timbre: Puedes configurar un ecualizador para que cambie completamente el timbre de la voz, por ejemplo, realzando ciertas frecuencias y bajando otras. Un ejemplo clásico es el conocido “efecto teléfono”, en el que la voz suena como si saliera de un teléfono antiguo. Las frecuencias altas y bajas se recortan completamente con un ecualizador, mientras que las frecuencias de la gama alta-media se potencian. De este modo, la voz suena completamente diferente.
Pero no siempre es necesario hacer cambios tan importantes; a menudo, por ejemplo, se realza ligeramente la gama de agudos para darle un poco de “aire” a la voz.
Personalmente, me parece mejor utilizar dos ecualizadores, uno para corregir y otro para "potenciar", porque así puedes desconectar rápidamente uno u otro para comparar la diferencia de sonido.
Tampoco hay ajustes mágicos para el ecualizador: Lo que suena muy bien para un cantante puede sonar muy mal para otro cantante con un rango vocal diferente. Aquí es especialmente importante crear tus propias curvas de ecualización y no recurrir a ningún "preset" (o al menos adaptar los presets si es absolutamente necesario utilizarlos).
Personalmente, casi siempre reduzco un poco las frecuencias más bajas de la voz (según el cantante, el rango es diferente, pero en algún punto entre 200 Hz y 800 Hz) para compensar el efecto de proximidad que se produce muy a menudo. Si entonces la voz suena clara y nítida, utilizo un segundo ecualizador en el que busco las frecuencias agradables y las realzo un poco.
Para ello, se crea una banda de EQ con mucha ganancia y se "escanea" el espectro de frecuencias hasta que se encuentra una que suene especialmente bien. A continuación, se vuelve a reducir la ganancia a un valor más moderado (de +1 dB a +5 dB).
Corrección de tono (también conocida como Auto-Tune)
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La corrección de tono garantiza que todas las notas son correctas y que nada suena mal. Por supuesto, no todos los cantantes necesitan el auto-tune en su voz, pero hay ciertos géneros, como el pop moderno, donde simplemente se espera. En las grabaciones de rock, por ejemplo, el auto-tune está mal visto.
Por supuesto, puedes utilizar el conocido plugin Auto-Tune de Antares, que ajusta automáticamente todos los tonos a una tonalidad elegida por ti, o un plugin como Melodyne, que te permite editar cada tono de manera individual. También existen muchos plugins de Auto-Tune gratuitos en el mercado.
Dependiendo de cómo configures el plugin, el efecto de corrección del tono es claramente audible (el conocido efecto de autotune que hace que la voz suene robótica) o puedes conseguir una corrección inaudible (siempre que la voz original no esté muy lejos del tono deseado). Que este efecto sea deseable depende, por supuesto, del género y de la canción.
Reverberación/reverb
Una parte muy importante de cualquier cadena vocal es el reverb. El reverb se utiliza para llevar una voz seca "a una habitación" y crear una sensación de distancia/profundidad. Este funciona a través de un canal de envío y no como una inserción como los otros plugins. Así que tienes que crear un canal adicional para él y utilizar un reverb con un ajuste de 100% Wet / 0% Dry.
Si le das mucha reverberación a la voz, suena como si estuviera lejos. Si usas poca o ninguna reverberación, la voz suena como si estuviera justo delante de ti. Simplemente tienes que probar qué funciona mejor para cada canción.
Con las voces siempre se utiliza un pequeño retardo previo para separar la voz de la reverberación. Un pre-delay simplemente retrasa las primeras reflexiones de reverberación y, en última instancia, hace que este efecto sea más sutil.
Normalmente, la reverberación debe sonar tan fuerte que apenas se oiga en la mezcla general, sino que más bien se sienta. No debería ser audible en absoluto en la mezcla general, pero deberías notarlo cuando falta. Siempre intento llegar a este punto gradualmente reduciendo el volumen de la reverberación paso a paso y comparando siempre las voces con y sin reverberación hasta que he llegado a este punto.
Por supuesto, esto no se aplica si quieres un sonido vocal especialmente épico, como Travis Scott. En este caso, el efecto de reverberación debería ser claramente audible.
Retardo/delay (opcional)
El efecto de delay también se utiliza muy a menudo sutilmente en las voces para hacerlas un poco más profundas en la mezcla o un poco más anchas en el campo estéreo. Los tiempos de retardo cortos actúan casi como una reverberación, lo que también se conoce como retardo slapback, mientras que los tiempos de retardo largos pueden utilizarse para transiciones u otros efectos.
Con un retardo normal, la voz se repite, dando la impresión de que la voz está lejos. Sin embargo, si se utiliza un retardo estéreo y se desplazan ligeramente los tiempos de retardo de izquierda y derecha, se obtiene una amplitud estéreo natural y hermosa. Sin embargo, esto debe utilizarse siempre con precaución y sólo en pequeñas cantidades, ya que de lo contrario la voz puede sonar demasiado antinatural.
A diferencia de otros efectos, que se utilizan casi siempre, no necesitas un retardo para todas las canciones. Así que piensa detenidamente si realmente lo necesitas antes de utilizarlo.
Cadenas vocales de productores conocidos
El productor ivanfromrnd publica entrevistas muy chulas con productores conocidos en su página de Instagram y les pregunta sobre sus cadenas vocales, plugins favoritos y cosas así. He escogido entrevistas con productores conocidos en las que les pregunta por sus cadenas vocales para artistas conocidos.
1. Kanye West (Productor: Randy Urbanski)
En este post, le pregunta a Randy Urbanski, que ha producido para Kanye West entre otros, qué cadena vocal utiliza. Su respuesta:
- Micrófono: Sony C800G (aprox. 12.000 euros), Neumann U67 (aprox. 7.500 euros) o Telefunken ELA M 251 (aprox. 12.000 euros)
- Preamplificador: Neve 1073 (aprox. 1700€)
- Compresor: Fairchild 670 (aprox. 70.000 euros)
Como puedes ver, una cadena vocal de este tipo puede resultar muy cara rápidamente, ya que solo unos pocos pueden permitirse este tipo de dispositivos. Sin embargo, también puedes recrear esta cadena vocal de forma económica con plugins/micrófonos de modelado.
2. NLE Choppa (Productor: Aaron Mattes)
En este post, le pregunta a Aaron Mattes, que produce para NLE Choppa entre otros, qué cadena vocal utiliza. Su respuesta:
- Micrófono: Neumann U87 (aprox. 2.700 euros) o Sony C800G (aprox. 12.000 euros)
- Preamplificador: Neve 1073 (aprox. 1700€)
- Compresor: Tube-Tech CL1B (aprox. 3700€)
Esta cadena vocal es más barata que la primera, pero sigue siendo bastante cara. Sin embargo, también existen numerosos plug-ins que pueden imitar el sonido de este equipo.
3. Ariana Grande (Productor: Billy Hickey)
Billy Hickey escribe en su propio blog lo que utiliza para una cadena vocal, y es un poco más flexible:
- Micrófono: Depende del artista, pero le gusta utilizar micrófonos de tubo de Neumann (U67) o Telefunken (Telefunken ELA M 251). A veces lleva el suyo propio, un Soundelux iFet 7, si no hay ninguno disponible.
- Preamplificador: Neve 1073
- Compresor: Tube Tech CL1B
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