¿Quieres saber cómo mezclar música? Entonces puedo decirte (por desgracia) que no hay fórmulas ni reglas mágicas. La mezcla es un arte que dominan los ingenieros de sonido y los productores musicales, pero siempre se adapta a cada canción individualmente.
No hay reglas en la mezcla, pero hay técnicas que suelen utilizar muchos productores porque el resultado es considerado agradable por mucha gente.
Éstas son exactamente las técnicas de mezcla de las que trata este artículo. Aprendí muchos de estos conceptos durante mi formación como ingeniero de sonido, pero gran parte de ellos los he aprendido yo mismo a lo largo de mi carrera.
¿Qué es la mezcla de audio?
La mezcla de audio es el penúltimo proceso de la producción musical que tiene lugar después de la grabación y antes de la masterización. Al mezclar música, se procesan las pistas de audio grabadas, efectos como la compresión, EQ, reverberación, retardo o modulación se añaden y se mezclan en un único archivo estéreo.
El objetivo es producir una canción equilibrada desde el punto de vista sonoro. Por ejemplo: las frecuencias graves no deben ser demasiado altas, de lo contrario enmascararán todo lo demás; pero tampoco demasiado bajas, de lo contrario falta la pegada y la canción suena demasiado débil.
Las distintas pistas también se distribuyen por la imagen estéreo; por ejemplo, el hi-hat puede colocarse en el lado izquierdo (panoramización izquierda) y la guitarra en el lado derecho (panoramización derecha). Algunos elementos suelen colocarse en los laterales, pero otros, como el bajo, siempre están en el centro. Más adelante hablaremos de ello.
En mi opinión, antes de mezclar, una canción es plana y todo está en el mismo plano. Mi objetivo al mezclar música siempre es crear una imagen estéreo tridimensional, como si los instrumentos estuvieran en una sala de conciertos.
¿Por qué tridimensional? En la mezcla de audio, al igual que en la geometría, hay 3 dimensiones. Para visualizarlo mejor, es útil imaginar todos los instrumentos de la canción en un escenario en directo:
- Altura: Este eje describe dónde se encuentran los instrumentos en la elevación, es decir, qué instrumento está por encima o por debajo de otro instrumento. Los instrumentos agudos están en la parte superior de la imagen estéreo, mientras que los graves están en la parte inferior. Puedes influir en esto con el ecualizador.
- Amplitud: Esta dimensión describe si los instrumentos suenan en el lado derecho o en el izquierdo. Con la panoramización, puedes colocar las distintas pistas de audio a la izquierda o a la derecha del centro estéreo para crear una imagen sonora amplia. Si dejo todo en el centro y no hago ningún paneo, obtengo una canción en formato mono en lugar de estéreo.
- Profundidad: Este eje describe si un elemento está delante o detrás de otro elemento en la mezcla y está influenciado principalmente por los efectos de reverberación y retardo. Si añado más reverberación a una pista de audio, esa pista suena más alejada de mí. Pero si tengo una pista sin nada de reverberación, suena como si la tuviera delante.
El arte de mezclar consiste en ser inteligente y utilizar las diferentes dimensiones a tu favor.
Un ejemplo práctico que he experimentado varias veces: Tengo una canción con un cantante y un guitarrista solista, ambos tocando al mismo tiempo. Ambos son elementos principales, así que los quiero en el centro estéreo.
También tocan/cantan más o menos en la misma gama de frecuencias, por lo que tampoco difieren en el tono, al menos no mucho.
Sin embargo, me doy cuenta de que los dos chocan y habría que separarlos en la imagen estéreo, así que ¿qué opciones tengo?
¡El tratamiento en profundidad! Añado reverberación a la pista de guitarra para que suene distante, mientras que dejo la pista vocal bastante seca para que suene "en tu cara". Así se separan las dos pistas para que no choquen.
Ahora me gustaría explicar mi método de mezcla que he desarrollado a lo largo de los años. Siempre sigo ciertos pasos para estructurar mi proceso de mezcla.
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0. Antes de mezclar: Entrenamiento auditivo
Escucha siempre primero tus canciones de referencia a través de tus altavoces/auriculares.
No me canso de repetirlo. Es un paso que a menudo se descuida, pero que puede ahorrarte mucho tiempo.
Tienes que conocer muy bien tu sistema de monitorización (es decir, tus monitores de estudio o auriculares). Tienes que saber cómo suenan las canciones producidas profesionalmente a través de tu sistema de monitorización.
He visto a ingenieros de sonido hacer mezclas increíbles con monitores relativamente baratos porque sabían exactamente cómo tenían que sonar las canciones con esos monitores.
Esto significa que incluso si su sistema de monitorización no es 100% lineal (que será el caso de la mayoría, ya que una sala perfectamente optimizada acústicamente puede ser muy, muy cara), esto no es algo malo. Pero hay que saber qué frecuencias de la habitación se acentúan y cuáles suenan más débiles de lo que deberían.
De lo contrario, sobrecompensarás y tus mezclas no se transferirán bien a otros sistemas de monitorización.
Por eso siempre escucho algunas de mis canciones de referencia (o si el cliente envía canciones de referencia, también las escucho) durante unos 20 minutos antes de empezar a mezclar.
Esto me ayuda a hacerme una idea de la dirección en la que debe sonar la canción y cómo se relacionan entre sí los distintos elementos de la canción.
Y siempre repito este proceso entre largas sesiones de mezcla. Es una especie de pausa que uno necesita de todos modos, que me ayuda a mantenerme en el buen camino.
1. selecciona tu DAW
Probablemente ya hayas elegido tu DAW; si no es así, echa un vistazo nuestra comparativa de DAWs. En él comparo los 12 DAW más populares del mercado.
Realmente no importa con qué DAW mezcles, solamente tienes que dominarlo y familiarizarte con él. De lo contrario, las dificultades técnicas pueden interrumpir tu flujo de trabajo creativo y distraerte, y eso es algo que no queremos.
Personalmente, siempre he preferido Pro Tools para mezclar (y grabar), pero eso también se debe a que siempre he tenido que trabajar con Pro Tools en mi formación como ingeniero de sonido y se ha consolidado para mí. También hay alternativas más baratas y menos complicadas que funcionan igual de bien, como Ableton Live o Logic Pro.
2. preparación del proyecto
El orden y el cuidado son muy importantes para la fase de mezcla. Especialmente cuando tienes que trabajar en proyectos con muchas pistas: sin orden, puede convertirse rápidamente en un enorme lío en el que no sabes qué instrumento está en cada pista.
Hablo por experiencia, claro, porque al principio siempre cometía el error de no nombrar las pistas correctamente, y así acababa con proyectos con 40 pistas llamadas Audio1_dup_1 a Audio1_dup_40.
Y si luego quieres cambiar algo en la guitarra, primero necesitas 5 minutos para averiguar en qué pista está la guitarra.
Consejo: Empieza siempre con buenas fotos
En el 99% de los casos, merece la pena volver a grabar la actuación si en la fase de mezcla te das cuenta de que algo de la grabación no te gusta.
A menudo la gente tiende a ser perezosa y decir: ya lo corregiré más tarde al mezclar. No, hazte un favor y vuelve a grabarlo, suele ser lo mejor y lo correcto.
Si el cantante canta mucho más alto en la primera estrofa de la canción que en la segunda, y tú intentas compensarlo con un compresor, las dos estrofas sonarán muy diferentes.
En la primera estrofa, el compresor tiene que trabajar mucho más. Esto hace que la voz suene más aplastada y menos dinámica que en la segunda estrofa. Para el oyente, esto suena poco natural.
Así que: mejor graba de nuevo la 1ª estrofa e intenta que el cantante cante al mismo volumen y con la misma energía que en la segunda estrofa.
Importar y nombrar las pistas
Es imprescindible que nombres todas las pistas correctamente para que siempre sepas de inmediato qué instrumento está en cada pista. Esto es increíblemente importante para que tu flujo de trabajo creativo y tu concentración no se vean interrumpidos.
Personalmente, siempre elijo los mismos nombres y la misma ubicación para las pistas en cada proyecto de mezcla. De esta forma siempre sé que, por ejemplo, mi patada está en el extremo izquierdo (la 1ª pista) y mis voces están al final (última pista), por lo que siempre puedo acceder rápidamente a estas dos pistas importantes.
Colorea y agrupa tus pistas
A la hora de mezclar, siempre coloreo las pistas ordenadas por grupos de instrumentos. Esto también es especialmente útil para exportar stems después de la mezcla.
- Azul para todas las pistas de batería y percusión como bombo, caja, hihat, tom, cencerro, pandereta, etc. Utilizo el azul oscuro para las pistas de batería y el azul claro para la percusión. Así sé que pertenecen al mismo grupo, pero también puedo distinguirlos rápidamente unos de otros.
- Rojo para todas las pistas de guitarra. Por ejemplo: rojo oscuro para la guitarra principal y rojo claro para la guitarra rítmica.
- Amarillo para el bajo. Por ejemplo, si tengo otro sintetizador para complementar el bajo, se coloreará en otro tono de amarillo.
- Verde claro para la voz principal y verde oscuro para la voz de acompañamiento.
- Naranja para el Piano.
- Púrpura para el Órgano.
Esto es sólo un ejemplo para ilustrar cómo lo hago en ciertos casos.
3. Balance general
Lo primero que hago siempre es poner todas las pistas aproximadamente al mismo volumen para crear un equilibrio general.
Así me hago rápidamente una idea de lo que está bien y lo que está mal; lo que hay que resaltar y lo que hay que corregir. Hago un repaso general de lo que hay que hacer en la canción.
Este es un paso importante, porque la capacidad de juzgar con neutralidad disminuye con el tiempo si se trabaja en una mezcla durante mucho tiempo. Por eso la primera impresión es especialmente importante.
En mis primeras sesiones de mezcla, siempre llevaba conmigo una hoja de papel para anotar las ideas en esta fase y no olvidarlas después. Se lo recomiendo a cualquiera que esté empezando a mezclar.
Si has producido y grabado tú mismo la canción, probablemente puedas saltarte este paso porque ya tienes una mezcla aproximada (así se llama a una mezcla inacabada en la que las proporciones de volumen son más o menos correctas) y una idea de la canción.
4. edición (modelado del sonido) de pistas individuales
Después de crear un equilibrio general y, por tanto, una mezcla aproximada, reviso cada pista que necesita cambios y la edito. La idea es dar a cada pista el sonido que quiero y corregir errores y problemas sin mezclar demasiado.
Normalmente escucho el tema junto con todos los demás, pero entre medias también en solitario, cuando hago ciertos cambios de configuración.
Siempre es importante tener en mente el panorama general (o, mejor dicho, en el oído) cuando se trabaja en una sola pista. Por lo tanto, es aconsejable no escuchar el tema solo durante demasiado tiempo, porque los oyentes nunca lo oirán solo.
Al fin y al cabo, ¿de qué sirve un bombo muy bueno con unos graves intensos que suenan muy bien por sí solos pero que ocultan todo lo demás en la mezcla?
Así que: Editar pistas en solitario mientras mezclas no es un problema, siempre y cuando sigas escuchando todas las demás pistas juntas entre medias para evaluar cómo afecta la edición de tu pista a la mezcla global.
Ahora intentaré describir mi enfoque general de la edición de las pistas, aunque me cuesta un poco. La razón es que cada canción es realmente única y siempre necesita ajustes diferentes, por lo que no hay reglas ni consejos que puedan aplicarse a todas las canciones.
Pero hay procedimientos y situaciones que ocurren con bastante frecuencia y que he experimentado una y otra vez en mi carrera: en eso se basan mis recomendaciones. Pero, como ya he dicho, no se trata de normas. Tu canción requiere ajustes que sólo tú puedes conocer.
Mezcla vocal
Mi primer plugin en la cadena vocal suele ser un EQ de estantería, que reduce las frecuencias en torno a 200Hz para cantantes - o 400Hz para cantantes femeninas.
Si hay ruido u otras distorsiones en la grabación, se cortan manualmente o se eliminan con una puerta de ruido - en cuyo caso la puerta de ruido va antes que el ecualizador.
Esto da a la voz más claridad y firmeza en la mezcla y compensa el efecto de proximidad que -hasta cierto punto- siempre se tiene al cantar.
Para ello, siempre añado un filtro de paso alto que elimina todas las frecuencias por debajo de 100Hz más o menos - nada de la voz debería ser audible ahí, solamente posibles ruidos o zumbidos de la electrónica.
La siguiente "medida correctiva" suele ser un desespesador para eliminar las sibilantes ("S" y "Sh").
Esto garantiza, en primer lugar, que estos molestos ruidos desaparezcan y, en segundo lugar, que no afecten a mi compresor, que es el siguiente en la cadena.
Esto me proporciona voces limpias, claras y distintas por el momento.
Mi siguiente paso suele ser la compresión. Dependiendo del cantante, aquí se necesita más o menos compresión.
A menudo he convertido interpretaciones débiles y poco enérgicas -especialmente voces de hip-hop cuando el rapero estaba en el estudio por primera vez- en voces realmente geniales y llenas de vida, y eso es sobre todo gracias a la compresión.
Un compresor equilibra los picos más altos y más bajos e influye en los transitorios. Esto puede tener ventajas, por supuesto, pero también inconvenientes. Algunos ejemplos de uso:
- Si las voces suenan demasiado alto o demasiado bajo entre ellas y te resulta molesto, puedes utilizar un compresor para igualar las diferencias de volumen.
- Si el cantante tiene poca energía al cantar (y si no puede hacerlo mejor, ya que una regrabación siempre es la mejor solución), puedes utilizar un compresor con ataque medio y liberación rápida para que las voces suenen más vivas y enérgicas. Esta técnica se utiliza muy a menudo en el hip-hop.
También recomiendo siempre dividir la compresión en al menos 2 fases (es decir, 2 compresores). En los tiempos digitales actuales, en los que todo el mundo tiene muchos plug-ins, 2 compresores no deberían ser un problema.
De esta forma, el efecto de compresión es menos audible y más natural, ya que cada compresor individual tiene que trabajar menos que si tuviera que realizar toda la compresión por sí solo.
Si quieres saber más sobre la mezcla vocal, te recomiendo mi artículo sobre la cadena vocal perfecta.
Mezcla de batería
Si has grabado una batería real, es importante trabajar con una buena grabación. Si la batería procede de samples, lo más importante es una buena selección de samples.
El sonido de la batería suele ser muy específico de cada género, pero todo el mundo quiere siempre una batería firme que lleve el ritmo de la canción en todo momento.
Para ello, el bombo y la caja suelen comprimirse mucho para que los dos instrumentos estén al mismo nivel. Normalmente estos dos instrumentos no tocan al mismo tiempo, por lo que se puede decir que hay que intentar que tengan el mismo volumen percibido.
Mi VST favorito entre los compresores de batería es el DBX-160 de Waves, que emula el clásico modelo de hardware DBX-160A.
El sonido es brillante para la batería, y viene con varios presets de bombo y caja que son buenos puntos de partida para ajustar.
Básicamente, necesitas un ataque lento y una liberación rápida para dar al bombo y a la caja su pegada característica.
No seas tímido y da una buena cantidad de compresión si puedes - el bombo y la caja suelen estar pensados para sonar muy ajustados, y puedes conseguirlo bien con este compresor.
También comprimo siempre los toms para que suenen parejos. Suelo utilizar el DBX o el CLA-76. Los ajustes son más o menos similares a los de la caja: ataque de medio a lento y liberación rápida.
Con el hi-hat siempre es diferente, pero sobre todo utilizo un filtro pasa-altos para filtrar todo lo que esté por debajo de unos 7 kHz.
Pero varía mucho, sobre todo dependiendo de si trabajo con muestras o con un hi-hat real.
Los micrófonos aéreos y de sala de la batería suelen comprimirse y añadirse mínimamente a la mezcla. Pero si quieres un sonido parecido al del directo, también puedes hacer estas pistas más fuertes.
Compresión paralela
Suelo encaminar todas las pistas de batería a una nueva pista estéreo en la mezcla y comprimirlas con compresión paralela.
Para géneros duros como el rock o el heavy metal, la compresión paralela se realiza con ajustes extremos para que la batería rockee de verdad. Para ello, el umbral se reduce considerablemente y se selecciona una proporción muy alta (por ejemplo, 10:1).
Una vez que la batería suene extremadamente aplastada y sobrecomprimida, puedes empezar a bajar un poco la pista estéreo comprimida o el control seco-húmedo para escuchar más de la batería natural hasta que el sonido encaje.
Puedes utilizar esta técnica para baterías de todos los géneros si quieres que realmente rajen.
Mezcla de coros (adlibs, doblaje para ganchos, etc.)
Los coros también son una parte importante de cualquier mezcla, ya sean armonías a tres voces en el pop o dobles gordos en el gancho de una canción de rap.
Los coros suelen comprimirse más que las voces principales para que suenen más atrás (ya que entonces tienen menos dinámica). Siempre deben sonar detrás de la voz principal.
Si la compresión no es suficiente para eso, a menudo también utilizo un ligero flanger que lleva las voces a un segundo plano.
Además, siempre hago los coros bastante anchos para que no choquen con la voz principal, que siempre está en el centro.
También me gusta utilizar corrección de tono, como Auto-Tune, en los coros. Como suelen estar en segundo plano, puedes aplicar más pitch-correction sin que se note mucho. Esto es especialmente útil cuando los coros armonizan con la voz principal, porque da una sensación de perfección.
Mezcla de bajos
Cuando digo "bajo", me refiero tanto a bajos reales como a bajos de sintetizador.
El bajo suele ser un instrumento complicado, porque las frecuencias bajas son difíciles de mantener bajo control. Es muy importante que el bajo no choque con el bombo, de lo contrario los tonos graves se sobrecargan rápidamente.
Para ello, puedes ecualizar el bajo y el bombo de forma diferente, o trabajar con compresión sidechain.
La compresión en cadena lateral se utiliza para comprimir el nivel de una pista de audio, pero sólo cuando recibe una señal de una fuente externa (otra pista de audio).
Así que pones un compresor sidechain en la pista de bajo y eliges el bombo como entrada sidechain. De esta forma, el bajo siempre baja cuando golpea el bombo y no chocan entre sí.
Siempre prefiero esta variante a la hora de mezclar, porque así no tengo que trabajar con el ecualizador y cambiar el sonido de los instrumentos.
Normalmente, luego se añade un compresor normal con ajustes relativamente suaves. Esto me da un poco más de control sobre el volumen y los niveles.
Y si todavía me falta algo de pegada con el bajo, dejo que el compresor trabaje un poco más, con un ajuste similar al de la batería.
La saturación o el overdrive también ayudan mucho a los graves, sobre todo para hacerlos audibles en altavoces más pequeños como los de los teléfonos móviles. También se afirma mejor en la mezcla.
Sigue leyendo: Ecualización y compresión de los subgraves para una mezcla limpia
Otros elementos (guitarra, piano, cuerdas, etc.)
Para el resto de elementos, es difícil hacer una recomendación general porque, por un lado, la selección exacta de instrumentos es diferente para cada persona y, por otro, los ajustes de estos instrumentos son a veces tan diferentes que resulta difícil generalizar.
Sin embargo, la mayoría de las veces se intenta crear una amplia imagen estéreo con estos instrumentos rítmicos.
En el rock/heavy, las guitarras casi siempre se graban dos veces (doble tracking), con una pista a la izquierda y otra a la derecha, para crear un bonito efecto estéreo.
Los pianos también suelen distribuirse por la imagen estéreo intentando que las notas graves estén en un lado y las agudas en el otro, como los pianos reales.
Las cuerdas y los pads también tienden a extenderse ampliamente por la imagen estéreo retrasando brevemente la fase de la onda en un lado - no te preocupes, muchos plugins lo hacen por ti, como el Slate Digital Murda Melodies, mi plugin de ensanchamiento estéreo favorito.
Así que intenta construir una base armónica sólida a partir de dichos instrumentos rítmicos que complemente bien el ritmo de la batería + bajo y forme el marco básico sobre el que se cantará la voz.
5. Correcciones de pistas individuales, pero con respecto a toda la mezcla
Ahora que ya he hecho las correcciones importantes en las pistas individuales y que mi diseño de sonido está completo, empieza la mezcla propiamente dicha.
En esta fase, pienso en lo siguiente:
- ¿Cómo interactúan las pistas de audio entre sí en la mezcla?
- ¿Dónde entran en conflicto unas vías con otras?
- ¿Qué hay que destacar en la mezcla?
- ¿Qué falta? ¿Dónde hay lagunas en la mezcla?
- ¿Dónde debe situarse cada elemento en la imagen estereoscópica?
Mezcla con ecualizador para colisionar frecuencias
Supongamos que tenemos una pista de guitarra y otra de piano en las que ambos instrumentos tocan en rangos de frecuencia similares. En este rango suena turbio y poco claro, y quieres separar los dos instrumentos.
Para ello, utiliza ecualizadores: debes encontrar un rango de frecuencias en una de las dos pistas que suene especialmente bien en esta canción y enfatizarlo un poco. A continuación, debes reducir exactamente el mismo rango de frecuencias en la otra pista con el ecualizador para dejar espacio a la otra pista.
Ahora podrías repetir este proceso en orden inverso y crear un "hueco" en la primera pista en otro rango de frecuencias y luego enfatizar la otra pista en este rango.
Pero hay que tener cuidado y escuchar siempre con atención cuando se ecualiza demasiado, porque un exceso de ecualización puede provocar un sonido poco natural y problemas de fase.
Panorámica para ampliar la mezcla
En esta fase determino dónde se coloca cada instrumento en la imagen estereoscópica. Hay algunas normas que se aplican en el 99% de los casos:
- Las voces tienen que estar en el centro
- El bombo debe estar en el centro
- El bajo debe estar en el centro
El bordón también está casi siempre en el centro, pero no siempre es así. Todos los demás instrumentos se distribuyen en el panorama estéreo. Siempre intento que haya el mismo número de instrumentos en el lado izquierdo que en el derecho, para que ambos lados tengan más o menos el mismo volumen.
Al hacer panorámicas, siempre es importante asegurarse de dejar espacio suficiente en el centro para las voces. Esto se aplica a todos los instrumentos que también están en el medio: no debería haber demasiados además del bombo, el bajo y la caja.
Pero si tienes, por ejemplo, un sintetizador mono muy importante en la canción que no quieres ni a la izquierda ni a la derecha porque desempeña un papel de apoyo importante, utiliza un plug-in de ensanchamiento estéreo y hazlo ancho. Esto deja espacio en el centro para la voz.
Compresión y automatización para controlar la dinámica de la mezcla
Cuando escuches todas las pistas, puede que notes que de vez en cuando algo suena demasiado alto o demasiado bajo.
Puede que el guitarrista haya tocado demasiado alto en el estribillo, por ejemplo, o que el batería haya tocado los 2 primeros compases demasiado bajo porque aún no estaba seguro. Todo esto ya ha pasado.
Hay 2 soluciones posibles:
Compresión
Basta con comprimir la pista para compensar las diferencias de dinámica. La ventaja de este método es que es relativamente fácil y rápido de hacer. La desventaja, sin embargo, es que el sonido del instrumento/voz cambia con un compresor, suena más aplastado.
Automatización
Si, en cambio, trabajas con automatización, el sonido original de la pista permanece inalterado y sigues teniendo bajo control las partes ruidosas y silenciosas.
La ventaja de este método es que tienes un control 100% sobre lo que ocurre exactamente con la dinámica (con un compresor no tienes este control, el compresor reacciona de forma diferente a cada palabra/sonido).
Además, como ya se ha mencionado, el sonido del instrumento o la voz permanece inalterado y no suena aplastado, como ocurre con un compresor.
Sin embargo, el inconveniente de este método es que requiere mucho tiempo. Tienes que editar cada parte manualmente, no es una tontería. No siempre se tiene tiempo o el cliente no dispone de presupuesto para automatizarlo todo manualmente, por eso muchos productores recurren al compresor.
Reverberación para 3D/profundidad en la mezcla
Ahora llegamos a la reverberación. Es uno de los efectos más importantes para crear la profundidad que todo el mundo espera en determinados instrumentos. ¿Qué sería de los Adlibs de Travis Scott sin su enorme reverb?
No hay reglas para mezclar, ni siquiera para la reverberación. Pero lo que puedo decirte es que, como principiante, tiendes a poner demasiada reverberación en las pistas. Cuando escucho mis mezclas del principio de mi carrera, eso es lo que más noto y lo que más me molesta.
La reverberación debe estar ahí, pero tan poca que no se nota. Sólo cuando silencies la pista de reverberación te darás cuenta de que la reverberación estaba ahí antes, porque entonces lo habrás hecho todo bien.
Sólo digo que hay que tener mucho cuidado con la reverberación, porque si no, enseguida se forma un fango enorme en el que todo suena borroso porque todo está cubierto de reverberación.
Por regla general, se dejan los instrumentos graves sin reverberación (como el bombo o el bajo) y sólo se aplica a los instrumentos que tocan en la gama de frecuencias medias y altas.
Mucha reverberación hace que el instrumento suene lejano. Poca reverberación significa que el instrumento suena como si estuviera justo delante de ti. Dependiendo de lo que quieras conseguir, deberás considerar cuánta reverberación debe tener la pista:
- ¿Quiero que el cantante suene como si estuviera en un concierto en directo en un estadio de fútbol? Entonces definitivamente necesito mucha reverberación para mis voces.
- ¿O tengo una canción de amor llena de emoción y quiero que las voces suenen como si te susurraran al oído? Entonces será mejor que no use reverberación o que use muy poca.
En el caso de las voces, merece la pena fijarse en los ajustes de retardo previo de la reverberación: es una buena forma de separar las voces principales de la reverberación y hacer que el efecto sea un poco más sutil.
Retardo para profundidad en la mezcla
El retardo es un efecto creativo que puede utilizarse de muchas maneras. En general, se puede decir que el retardo también añade profundidad al sonido.
De forma similar a la reverberación, las pistas que tienen un retardo suenan más lejanas que si no tuvieran efecto de retardo.
Los retardos rápidos (por ejemplo, el slapback delay) suenan de forma similar a una reverb de muelles, mientras que los retardos con tiempos largos suenan como si estuvieras gritando en el Gran Cañón y escucharas los ecos.
Los retrasos son buenos para rellenar huecos vocales. Si el cantante incluye una pausa en la parte, puede quedar genial si repites las últimas palabras con retraso y dejas que suenen en la pausa.
Además, los delays estéreo con tiempos de retardo ligeramente diferentes a izquierda y derecha amplían la pista.
Phaser/Flanger para efectos experimentales
Los phasers y los flangers también pueden estar muy bien si los usas de vez en cuando. Se pueden utilizar en guitarras, pianos y sintetizadores, theremin o incluso voces para crear sonidos más experimentales.
Pero hay que tener mucho cuidado, porque las cosas pueden ponerse raras y extrañas muy rápidamente. Así que escucha siempre con atención lo que ocurre.
También me gusta utilizar a veces el flanger en coros femeninos; creo que suena muy bien cuando le añades un poco.
Y me gusta usar el phaser en las guitarras cuando quiero que suenen un poco alienígenas.
6. Mezcla - Balance final
Ahora viene la fase en la que intento trabajar exclusivamente con los faders y no hacer ningún cambio en los ajustes de los efectos.
Tengo todas las pistas como las quiero, así que solo tengo que afinar y equilibrar los volúmenes.
Este es probablemente el proceso más difícil y el que requiere más concentración. Hay que escuchar atentamente todo lo que ocurre en la canción.
A menudo conviene crear grupos a partir de pistas diferentes (por ejemplo, si has dividido la batería en 12 pistas, como bombo, caja, hi-hat, etc.). Puedes crear grupos de batería, voz principal + coros, piano + piano, etc., donde tenga sentido.
De esta forma, más adelante sólo tendrás que mezclar los grupos entre sí, y más adelante sólo tendrás que trabajar con 5 ó 6 faders en lugar de 40.
Suelo empezar por la batería. Las pistas de batería se mezclan y luego se agrupan.
Luego añado mi bajo y equilibro los dos instrumentos. Al final, tiene que haber una base sólida sobre la que todo lo demás pueda funcionar bien.
Luego añado los demás instrumentos rítmicos y lo mezclo todo para obtener una especie de instrumental, es decir, sin voces.
Luego pongo la voz principal y los coros. Y si hay un solo en algún instrumento, ahora también entra él.
En el mejor de los casos, no tengo que retroceder ni un paso y mi mezcla está lista, pero rara vez es así. Al final, siempre hay que volver atrás y cambiar algo hasta quedar 100% satisfecho.
Bonus: Automatización creativa
Ahora que la mezcla a 100% está en su lugar y la he probado en varios monitores de estudio, hay una última cosa que se puede hacer para llevar la producción al siguiente nivel.
Automatización creativa. Es lo que yo llamo automatización, que no tiene por objeto corregir errores (como ya se ha dicho), sino destacar las partes especialmente importantes de la canción (o del solo).
Un ejemplo práctico: Si las voces tienen un pico en el puente de la canción antes de la ruptura a la estrofa y las voces son particularmente hermosas allí, yo usaría la automatización para aumentar las voces en un máximo de +1dB para que se cree una especie de crescendo.
O si quiero enfatizar el último estribillo de la canción, puedo utilizar la automatización para hacer que mis coros suenen más altos aquí, de modo que este estribillo suene inmediatamente diferente y más potente que los demás.
Conclusión
Mis recomendaciones no son reglas ni fórmulas mágicas que funcionen en todas partes: son técnicas que he utilizado muchas veces en mi carrera porque ciertos patrones, errores y peculiaridades se repiten una y otra vez.
En última instancia, tienes que desarrollar tu propio método para mezclar mejor y con mayor eficacia. Y eso sólo se consigue con mucha práctica.
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